Schwaab

Der sogenannte neue Materialismus
ist eine Denkrichtung der Medien- und Kulturwissenschaft, die eine
gleichberechtigte Beziehung zwischen Mensch und Materie, zu der auch Medientechnologien
gehören, betont. Dieses Denken schließt an die feministischen Konzepte von
Donna Haraway und ihrer Kopplung von Menschen und digitalen Medientechnologien
an, betont aber in einem radikaleren Sinne eine Relationalität menschlichen Seins
mit der ihn umgebenden Materie. Dies lässt eine der wichtigsten
Theoretikerinnen des neuen Materialismus Karen Barad von einem ‚agentiellen
Realismus‘ sprechen, während Jane Bennett die Handlungsmacht einer
‚vibrierenden Materie‘ (vibrant matter) betont. Dieses Seminar will
grundlegende Texte dieser neuen Denkrichtung lesen und diskutieren,
Anschlusspunkte an Diskurse der Medienwissenschaft wie die Medientheorien von
Friedrich Kittler, die Theorien wie ANT (Actor Network Theory) oder SST (Social
Shaping of Technology) finden, die dem neuen Materialismus vorausgehen. Es soll
grundlegend um die Frage gehen, wie sich das Zusammenspiel Mensch und
Materialität beschreiben lässt und was an diesen Theorien produktiv für die
Medienwissenschaft ist.

Grundlage der erfolgreichen
Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 30.9.2023) und die
regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

Vor 50 Jahren hat sich ein Ansatz
einer Medien- und Kulturwissenschaft etabliert, der durch sein Interesse für
Klassenfragen, Geschlecht, Politik, Alltag und Populärkultur ein wichtiges
begriffliches und methodisches Reservoir zur Erkundung der Medienkultur geboten
hat. Mit Autor*innen wie Raymond Williams, Stuart Hall, Charlotte Brunsdon,
David Morley oder Janice Radway wurden nicht nur zum ersten Mal elaborierte
Theorien zur Auseinandersetzung mit Medien wie dem Fernsehen entwickelt,
sondern auch Ansätze, die wie Raymond Williams die materiellen Grundlagen
unserer Medienkultur und ihre gesellschaftlichen Effekte erkundet oder wie
Stuart Hall Formen der Bedeutungszuweisung und ihrer ideologischen Implikationen
beschrieben haben. Vor allem aber wurde zum ersten Mal in der Forschung zu den
sogenannten Massenmedien der Fokus auf die Rezeption und die Möglichkeiten der
Aneignung von offenen, populärkulturellen Texten gerichtet, um damit Formen der
einseitigen Kritik an der Populärkultur in Frage zu stellen. Daraus etablieren
sich Konzepte eines vieldeutigen Fernsehtextes (John Fiske) oder auch Verfahren
der Zuschauerethnografie in klassischen Studien zu Nachrichtenformaten (David
Morley), zur Domestizierung des Fernsehens (Silverstone) und zu der
Leser*innenschaft von Liebesromanen (Janice Radway). In späteren Beiträgen zu
den Cultural Studies wird zunehmend versucht, Aspekte der emotionalen oder
affektiven Beteiligung der Zuschauenden an populärkulturellen Formen wie
Fernsehen, aber auch Rockmusik zu erforschen (Larry Grossberg).

Das Seminar will durch die
Lektüre wichtiger und (mittlerweile) klassischer Texte der Cultural Studies in
diese Ansätze einführen, aber vor allem sich die Frage stellen, ob sie noch
aktuell sind und welche Herausforderung die heutige Medienkultur an die Ansätze
dieser Forschungsformation stellt. Daher wird auch versucht werden, Phänomene
wie Donald Trump oder die Influencer-Kultur mit den Ansätzen der Cultural
Studies zu untersuchen.

Grundlage des erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind die Lektüre der Seminartexte, die Übernahme einer
Präsentation oder Aufgabe und das Verfassen einer Hausarbeit (12 oder 16-18
Seiten, bis zum 31.3.2022) 

Der Begriff der Usability suggeriert, dass Medien vor allem
dann gut funktionieren, wenn sie als Medientechnologie nicht sichtbar werden
und sich nahtlos in den Alltag einfügen. Die Computerkultur operiert häufig mit
Begriffen wie ‚ubiquitous computing‘ oder ‚clouds‘, die Medientechnologie und
die von ihr benötigte Infrastruktur als immateriell erscheinen lassen. Dieses
Seminar diskutiert eine kritische Perspektive auf diese Immaterialisierungsdiskurse
und stellt grundsätzlich in Frage, dass sich Medientechnologien verstecken
sollten. Es soll die ‚Sperrigkeit‘ der Medien herausgestellt werden, ihre
Momente der Unbrauchbarkeit und Irritation, die in unterschiedlichen Aspekten
zum Ausdruck kommen: in ungebrauchten Technologien, die sich nicht durchgesetzt
haben und niemals in den Alltag integriert wurden, in einer ‚culture of repair‘
(Jackson), die auf dem Bewusstsein für den ständigen Zusammenbruch von
Computerinfrastruktur und der Mühen ihrer Aufrechterhaltung basiert, vor allem
aber in dem Konzept der Dekonvergenz (vgl. Balbi/Peil/Sapiero), das eine
Bewegung des Auseinanderdriftens von Anwendungen statt einer konvergenten
Verschmelzung diskutiert und auf die Bruchstellen von Konvergenzprozessen
hinweist. Dekonvergenz öffnet den Blick für die vielfältigen Anforderungen und
Zumutungen einer neuen Medienkultur: die Synchronisierung von Geräten, das
Management von Speichervorgängen gegen permanent drohenden Datenverlust, die
Organisation der zahllosen Zugangsmöglichkeiten zu Mediengeräten wie dem
Fernsehen, die aus der einfachen Fernsehrezeption eine Wissenschaft für sich
gemacht hat. All diese Aspekte machen überdeutlich, dass es Medien gibt und sie
alles andere als selbstverständlich und unsichtbar sind. Unusability will damit
auf unterschiedlichen Ebenen die Reduktion von Medienhandeln auf Brauchbarkeit
in Frage stellen, eine positive Definition von Sperrigkeit liefern und die
Aufmerksamkeit auf eine störende, die Erfahrung irritierende und die
Wahrnehmung verschiebende Dimension des Medienhandelns richten.

Grundlage des erfolgreichen Abschlusses des Seminars sind
Anwesenheit und Beteiligung an der Seminardiskussion, Referat und Hauarbeit.

Die 1970er und 1980er Jahre sind
die klassische Ära des Fernsehens. In dieser Zeit bestimmt das Fernsehen fast
überall durch seine große Reichweite das nationale Geschehen, erreichen Formate
wie Gameshows, Nachrichtensendungen, Magazine oder Fernsehserien ihre gültige
Form, etabliert sich eine formale, ästhetische Gestaltung von Programmen, die
das Pendant zur Ästhetik des klassischen Hollywoodkinos darstellt. Diese Zeit
ist aber auch geprägt von politischen und radikalen Experimenten des Fernsehen
von Regisseuren und Autoren wie Dennis Potter oder Rainer Werner Fassbinder
oder zeitkritischen Dokumentationen wie den Beiträgen der Stuttgarter Schule,
die Freiräume nutzten, die es später nie wieder geben sollte.  Zudem zeigen sich bereits in den 1980er Jahren
erste Tendenzen zu einer Veränderung des Fernsehens durch das Auftreten neuer,
privater Sender, die ihre Zuschauenden mit Formaten wie dem Reality TV oder dem
Musikfernsehen auf unmittelbarere Weise ansprechen.

Da es auch die Ära ist, in der
sich die ‚klassischen‘ Verfahren der Fernsehwissenschaft etablieren und etwa
die Cultural Studies ihre ersten wichtigen Beiträge zu einer Diskussion des
Fernsehens machen, wird nicht nur die Sichtung und Analyse klassischer Formate
wie Dallas,Columbo, Starsky and Hutch,
Miniserien aus den 1980er Jahren wie
Roots oder Pennies from Heaven,
deutsche Gameshow-Formate wie Dalli Dalli
oder Der große Preis, Reality TV
Formate wie Aktenzeichen XY ungelöst
oder Americas Most Wanted, sondern
auch die Lektüre ebenso klassischer Texte der Fernsehwissenschaft von
Autor*innen wie Jane Feuer, John Fiske, Horace Newcomb, Knut Hickethier, Ien
Ang und Charlotte Brundson Gegenstand des Seminars sein.

Anforderungen und Organisation:

Ein großer
Teil des Seminars wird über die Lehrplattform Grips organisiert. Es wird eine
Mischung aus folgenden Elementen sein, die sich abwechseln werden: Aufgaben,
Kommentare und Präsentationen, die in Foren zu den jeweiligen Sitzungen
eigenständig auf Grips hochgeladen werden, und Zoomsitzungen, in denen ihre
Beiträge diskutiert werden sollen und Impulse für die Seminarthemen gegeben
werden.

Grundlage des erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind die Übernahme der geforderten Aufgaben und eine
Hausarbeit (ca. 12 Seiten)

Wichtig: Sie werden, wenn sie sich
für den Kurs auf Lsf eingetragen haben, ab der ersten Vorlesungwoche, also ab
Montag dem 12.April, per Mail das Passwort für das Seminar bekommen. Tragen sie
sich dann bitte in den Gripskurs ein, weil sie dann alle weiteren Informationen
über das Nachrichtenforum bekommen. Dort finden sie dann auch den Seminarplan
und den Zoomlink.

1957 veröffentlicht der
Semiotiker und Poststrukturalist Roland Barthes Mythologies, das zunächst in unvollständiger Fassung in den 1960er
als Mythen des Alltags in Deutschland
veröffentlicht wird. Roland Barthes versammelt dort neben einer theoretischen
Einführung in seinen Begriff von Mythologie als Sprache kleine, zuvor in
Zeitschriften veröffentlichte Essays als elegante Vignetten von Betrachtungen
zur Alltags- und Populärkultur, unter anderem zur Tour de France, zu einem
Automodell, zu Fernsehpredigern, Wrestling, zu Werbung, Sandalenfilme und die
Begeisterung der Franzosen für halbgare Steaks mit Pommes Frites. Auch wenn
Siegfried Kracauer in den 1920er und 1930er Jahren etwas Ähnliches gemacht hat,
begründet Roland Barthes damit mit einem eigenen Vokabular eine Betrachtung der
Medienkultur, die für ihn reiches semiotisches Material zur Analyse bietet.
Diese Übung will an diese Analysen anschließen, um dabei zu prüfen, ob sich
dieser Zugang auch auf unsere aktuelle Medienkultur übertragen lässt. In der
ersten Hälfte der Übung sollen einige der Essays gelesen und diskutiert
werden,  um für die zweite Hälfte der
Übung Methoden und Ansätze zu etablieren, aktuelle Phänomene unserer
Medienkultur wie Tinder, Facebook, Twitter, Trump, Corona-leugner, Memes,
Webseiten, Reality TV, Markus Lanz oder Tiktok zu analysieren und dazu kleine
Essays zu verfassen, die unsere Mythen des Alltags greifbar werden lassen.

Anforderungen und Organisation:

Ein großer Teil der Übung wird
über die Lehrplattform Grips organisiert. Es wird eine Mischung aus Livelehre
auf Zoom sein, bei der wir zunächst in den ersten Sitzungen Beiträge von Roland
Barthes diskutieren, und ihren Beiträgen der Medienalltag- und
Medienkulturanalysen, die auf Grips hochgeladen und dort diskutiert werden
sollen. 

Grundlage des erfolgreichen
Abschlusses der Übung sind Teilnahme an den Zoomsitzungen zu Roland Barthes und
das Verfassen zweier Essays, die auf Grips hochgeladen werden und diskutiert
werden sollen und später in überarbeiteter Version abgegeben werden sollen
(jeweils 2-4 Seiten).

Wichtig: Sie werden, wenn sie sich
für den Kurs auf Lsf eingetragen haben, ab der ersten Vorlesungwoche, also ab
Montag dem 12. April, per Mail das Passwort für das Seminar bekommen. Tragen sie
sich dann bitte in den Gripskurs ein, weil sie dann alle weiteren Informationen
über das Nachrichtenforum bekommen. Dort finden sie dann auch den Seminarplan
und den Zoomlink.

Während die Beziehung zwischen Zug und Medium von Medienwissenschaftlern wie Wolfgang Schivelbusch sehr gut untersucht wurde, Genres wie das Roadmovie dem Auto eine prominente Rolle in der filmischen Narration geben oder das Auto mit dem Autonomen Fahren in eine neue Medienkultur überführt wird, bleibt dem Fahrrad nur ein mediales Nischendasein: Es scheint als könnten weder Film, Fernsehen oder neue Medien etwas mit dem Fahrrad anfangen, als wäre es in seiner Form zu ungreifbar und als wären die von ihm ermöglichten Bewegungen zu unattraktiv. Das Seminar versucht diese Ansicht in Frage zu stellen und die Medialität des Fahrrads zu untersuchen, als ein Gefährt, das individuelle, freie Bewegungen und eine gleichberechtigte Mensch/Maschinekopplung ermöglicht. Gerade weil das Fahrrad neben dem Gehen die einzige mobile Praxis ist, die keine fossilen und anderen Energien benötigt und anders als das Auto auch nicht auf eine gigantische und problematische Infrastruktur angewiesen ist, sollte eine positive Vorstellung seiner Medialität diskutiert werden, die das Fahrrad in Film und Fernsehen sichtbar werden lässt oder seine Kompatibilität mit einer neuen Medienkultur herausstellt, die sich von narrativen Formen emanzipiert: GoPro-Kameras eignen sich besonders für eine Darstellung der individuellen Bewegungen des Fahrrads,  Plattformen wie YouTube lassen neue Formen des Fahrradfilms sichtbar werden. Fahrrad und Medien stellt Fragen hinsichtlich der Repräsentation des Fahrrads und bemüht sich um die Skizzierung einer neuen Mobilitätskultur von Fahrradaktivistinnen und -aktivisten, Blogs, Webseiten, audiovisuellen Plattformen, Dokumentation und vielem mehr. Da es noch wenige Texte zur Fahrradmedialität gibt, versteht sich das Seminar auch als Forschungsprojekt, das die Recherche der Studierende zu einzelnen Aspekten der Fahrradkultur zu einem Gegenstand des Seminars macht.

Anforderungen: Ein großer Teil des Seminars wird über die Lehrplattform Grips organisiert. Es wird eine Mischung aus folgenden Elementen sein, die sich abwechseln werden: Aufgaben, Kommentare und Präsentationen, die auf Grips hochgeladen werden, kurze Zoomsitzungen und Live-Chats. Ein Teil des Seminars werden auch Forschungsaufgaben zur Darstellung des Fahrrads in den Medien sein, die für ein Publikationsprojekt zum Fahrrad von den Studierenden erarbeitet werden sollen (zum Beispiel als Blog zum Seminar). Das Seminar wird mit einer Hausarbeit abgeschlossen.

Angemeldete Student*innen bekommen in der ersten Semesterwoche eine Mail mit dem Passwort für den Gripsordner zum Seminar und einem genauen Fahrplan zum Ablauf des Seminars.

Das Seminar wird mit einer Hausarbeit abgeschlossen.

Audiovisuelle Plattformen
scheinen die wichtigste Medientechnologie für das Zeitalter des Post-TV
darzustellen. Freie Auswahl, zeitunabhängige Nutzung, Angebote, die sich an
individuellen Interessen orientieren, aber auch die Ermöglichung eigener
Aktivitäten bei Plattformen wie YouTube liefern Gründe für deren Dominanz. Das
Seminar will sich aber nicht allein mit diesen Motiven beschäftigen, mit denen
audiovisuelle Plattformen auch häufig unreflektiert beworben werden. Es will
danach fragen, was Plattformen des Internets mit der Film- und Fernsehkultur
machen, wie sie neue Zugangsmöglichkeiten aber auch eine neue Zeitlichkeit
audiovisueller Erzeugnisse herstellen, die sich etwa darin manifestieren, dass
YouTube auch ein Archiv der Film- und Fernsehkultur geworden ist. Vor allem
soll deutlich gemacht werden, wie voraussetzungsvoll die konsequente Steuerung
dieser Plattformen über User-zentrierte Algorithmen ist und welche Auswirkung
dies darauf hat, mit welchen Erzeugnissen wir im Vergleich mit den Medien Kino
und Fernsehen konfrontiert werden. Ein weiterer wichtiger Aspekt ist, dass noch
immer Logiken des Fernsehens wie Liveness, Serialität oder flow die Plattformen
in ihren Angebotsformen bestimmen, was sich beispielweise darin zeigt, dass
Sportereignisse auf DAZN der Liveness des Sportfernsehens eine neue Heimat zu
geben versuchen. Ziel des Seminars ist es, ein Bewusstsein dafür zu schaffen,
dass audiovisuelle Plattformen weit mehr sind als neutrale Distributoren, die
alle unsere Wünsche erfüllen, sondern Agenten einer neuen Computerkultur, die
an die Geschichte der audiovisuellen Kultur anschließen, diese aber auch neu
konstruieren und sich damit auch neue Subjekte mit neuen Wünschen schaffen .

Grundlagen des erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind die Übernahme eines Referats/Beitrags und das
Verfassen einer Hausarbeit (Abgabe am 30. September 2022).  

Das filmische Melodrama wurde lange von der Filmkritik
verachtet und von der Filmwissenschaft vernachlässigt. Die ablehnende Haltung
zeigt sich auch in der Bezeichnung des Genres als ‚women’s film‘ und der
Unterstellung, dass Hausfrauen ihre Nachmittage weinend im Kino verbringen, um
durch die Überdominanz von Gefühlen ihren Alltag zu vergessen. Erst die 1970er
Jahre lieferten wichtige Ansätze, die eine neue Deutung von Filmen des Genres
ermöglichten: zum einen als hintergründige Filme, deren übertriebene, aber auch
komplexe Ästhetik als gesellschaftskritische Kommentare gelesen werden können
(zum Beispiel die Melodramen von Douglas Sirk aus den 1950er Jahren), zum
anderen als Filme, die durch die Betonung von Emotion und Affekt die
Zuschauenden auf unmittelbare Weise ansprechen, weswegen sie Linda Williams
auch mit Horrorfilmen zu den body genres rechnet, zu Filmen, die körperliche
Reaktionen auslösen. Politisierte Theorien des Feminismus haben nicht nur dazu
beigetragen, den Tearjerker oder women’s film für die Filmwissenschaft zu
entdecken,  sondern auch deren Pendant im
Fernsehen, die Soap Opera, als serielle, an das Programm und Wesen des
Fernsehens angepasste Form neu zu deuten. Dieses Seminar wird sich mit den
wichtigsten Theorien zum filmischen und televisuellen Melodrama beschäftigen
und einige zentrale Filme oder Fernsehserien in Screenings zugänglich machen,
um damit auch Kenntnisse über Theorien der Medienwissenschaft zu vermitteln. Es
wird aber auch deutlich machen, dass das Melodrama nicht nur ein Genre, sondern
auch ein Prinzip der Inszenierung ist, das mittlerweile in fast alle Filmgenres
und Fernsehserien emigriert ist. 
Konzepte des Melodramas lassen sich daher als wichtige Perspektiven
begreifen, um die emotionale und affektive Dimension von so unterschiedlichen
audiovisuellen Erzeugnissen  wie Game of
Thrones oder Filmen des populären Kinos zu verstehen.

Grundlage des erfolgreichen Abschlusses des Seminars sind
Anwesenheit und Beteiligung an der Seminardiskussion, Referat und Hauarbeit

 und die re

André Bazin benennt neben dem
Tier einen weiteren Gegenstand, der wegen seiner Natürlichkeit von der Kamera
besonders geliebt wird: Kinder. Das ist auch ein Grund dafür, warum etwa
Kinderfilme weit darüber hinausgehen, nur ein besonderes Unterhaltungsangebot
für junge Menschen zu sein. Kinderfilme können auch die Perspektive des Kindes
einnehmen, sie können uns eine andere Wahrnehmung und ein anderes Erleben
nahebringen, was auch ein Grund war, warum etwa so viele Produktionen der
wichtigen filmischen Bewegung des Neorealismus nach dem zweiten Weltkrieg die
Welt häufig aus den Augen der Kinder zeigten.

 Das Seminar will sich neben dem Kinderfilm mit
weiteren Objekten einer Medienkultur von Kindern beschäftigen. Dabei sollen
unter anderem Animationsfilme- und Serien, Fernsehserien, Hörspiele, Bücher und
Computerspiele in den Blick genommen werden. Besonderes Augenmerk soll dabei
nicht nur auf die Ästhetik und Geschichte von Klassikern wie The Wizard of Oz oder der
Animationsserie Heidi gelegt werden,
sondern es soll auch die Struktur der Programme von Kindersendern, die häufig
ein hohes Maß an Transmedialität aufweisen, oder die besondere Medialität von
Objekten wie der Hörspielkassette erfasst werden. Dabei spielt auch eine für
Kindermedien spezifische ökonomische Verflechtung mit dem Spielzeugmarkt, die
sich beispielweise in Kopplungen von Lego und dem Blockbusterkino oder dem Merchandising
zu Serien wie Paw Patrol offenbart,
eine wichtige Rolle. Zuletzt wird es auch um den pädagogischen Auftrag gehen,
dem in Kindermedien immer wieder eine besondere Form verliehen wird.

Begleitend zum Seminar werden in
einzelnen Screenings immer wieder wichtige Beispiele und Klassiker von
Kindermedien gesichtet werden.

Grundlage der erfolgreichen
Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 31.3.2023) und die
regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

Neue Medien haben eine Tendenz
dazu, Fragen nach ihrer Materialität und vor allem auch nach ihren Kosten
konsequent zu verschleiern. Dazu bei trägt ein Diskurs, der Medien als
alltäglich und natürlich begreift. Begriffe wie ‚cloud‘ oder ‚usability‘
verflüchtigen das Medium oder versprechen, dessen Widerständigkeit zum
Verschwinden zu bringen. Dieses Seminar wird diese verdrängte Materialität, die
sich beispielsweise in unserem mangelnden Wissen über die die ‚cloud‘
speisenden Serverfarmen offenbart, kritisch in den Blick nehmen. Es wird unter
anderem Texte aus dem Bereich des sogenannten ‚digital materialism‘
diskutieren. So thematisiert beispielweise Jussi Parikka die konkreten
ökologischen Folgekosten und den Ressourcenverbrauch im Zusammenhang mit
mobilen Medien. Es diskutiert Theorien, die wie Marc Andrejevic und andere neue
Ausbeutungsverhältnisse und neue Arbeitsformen in sozialen Medien ansprechen,
setzt sich aber auch mit den konkreten Arbeitsverhältnissen in der Film- und
Fernsehindustrie auseinander. Neben der Lektüre von Texten, die uns die Kosten
von Medien erschließen, soll es auch darum gehen, wie Medien häufig auch aktiv
dazu beitragen, Ressourcenverbrauch zu verschleiern. Es wird sich aber auch mit
filmischen und medialen Utopien beschäftigen, die wie Miyazaki etwa eine Welt zeigen,
die nicht von Öl und smarten, digitalen Technologien dominiert wird. Dabei soll
erkundet werden, ob solche Repräsentationen dazu anleiten können, den Umgang
mit Materie und Energie zu reflektieren und zu verbessern.

Grundlage der erfolgreichen
Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 31.3.2023) und die
regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

True Crime ist weniger eine
offizielle Bezeichnung eines klar bestimmten Genres, sondern mehr ein
Sammelbegriff für alle Arten von dokumentarischer oder journalistischer
Darstellung, zu oft unterhaltenden Zwecken, von wirklich begangenen Verbrechen
in Magazinen, Filmen oder im Fernsehen. True Crime findet sich in berühmten
Verarbeitungen von Verbrechensfällen in Romanen und Spielfilmen (z.B. Truman
Capotes Vorlage In Cold Blood und
dessen Verfilmung), vermischt sich in den USA im Fernsehen der
law-and-order-Politik der Reagan-Ära mit dem Genre des Reality TV, ist
Gegenstand einer bunten, auf einfache Reize des Spektakulären ausgerichteten
und um Serienkiller kreisenden Heftkultur, bringt aber gerade in den letzten
Jahren mit dokumentarischen Serien wie The
Making of a Murderer oder Werner Herzogs Im Todestrakt oder The
Serpent hockkomplexe Serien zwischen Unterhaltung und Dokumentation hervor.
Das Seminar setzt sich mit den Grundlagen dieser Faszination für das Verbrechen
auseinander, versucht zudem auch Formen der Darstellung, die es seit der
Sammlung von Prozessberichten im Zeitalter der Aufklärung gibt, zu bestimmen
und vor dem jeweiligen gesellschaftlichen und geschichtlichen Kontext zu
verorten, auch als Ausdruck einer Klassifikation und einer Kontrolle und
Konstruktion von abweichenden Verhalten, die etwa Foucault in Verbrechen und
Strafen beschrieben hat. Dabei soll auch die besondere Medialität des wahren
Verbrechens herausgestellt werden, wie sich in der Vermischung der
Tabloid-Kultur und des Fernsehens neue Genres des Reality TV gebildet haben,
wie Fernsehserien davon inspiriert werden, wie Verbrechensgeschichten in True
Crime-Magazinen erzählt und gestaltet und erkundet werden, oder was True Crime
über unser Verhältnis zu Verbrechen und den Abgründen des Menschen zum Ausdruck
bringt. Im Seminar solle daher auch ausgewählte Beispiele von True Crime in
Film und Fernsehen gesichtet und intensiv diskutiert werden.

Grundlage des erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind Beteiligung an den Seminardiskussionen, Übernahme
einer Präsentation oder Aufgabe und das Verfassen einer Hausarbeit (16-18
Seiten, bis zum 31.3.2022)

Dieses Seminar setzt sich mit
unterschiedlichen seriellen Formaten aus 6 Jahrzehnten der Fernsehgesichte
auseinander – von klassischen Sitcoms wie I
Love Lucy, über frühe Mystery-Programme wie Twilight Zone und englische Soap Operas oder East Enders  (Coronation
Street oder das deutsche Pendant Lindentsraße),
bis zu Primetimesoaps (Dallas),
Qualitätsserien (Twin Peaks, The Sopranos) bis zu aktuellen
Programmen des Plattformfernsehens wie Druck.
Die Bezeichnung Klassiker bezieht sich, wie aus dieser Aufzählung deutlich
wird, nicht auf einen bestimmten Typus von Serie, sondern auf unterschiedliche
Formate, die aus unterschiedlichen Gründen ein so nachhaltiges Interesse und
Vergnügen ausgelöst haben oder neue Formen des televisuellen Erzählens geprägt
haben, dass ihnen das Label Klassiker verliehen werden kann. Es geht hier nicht
darum, einen Kanon der besten Serien festzulegen, sondern an den ausgewählten
Beispielen möglichst umfassend Theorien, die Ästhetik des televisuellen
Erzählens und wie sie von den Zuschauenden rezipiert werden, aufzuarbeiten.
Dafür werden jeweils Episoden der ausgewählten Programme im Seminar gezeigt und
anhand von Texten diskutiert.

Grundlage der erfolgreichen
Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 31.3.2023) und die
regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

In den letzten Jahren ist die Videokassette nun vollends aus unserem kulturellen Haushalt verschwunden, was den Anlass dazu bietet, auf die Videokultur zurückzublicken. Denn gerade die Auseinandersetzung damit, wie die Einführung des Speichermediums Video das Fernsehen verändert hat, bietet die Möglichkeit, auch aktuelle Veränderungen der Medienkultur durch Digitalisierung, Internet und DVD in den Blick zu nehmen. Das Seminar beschäftigt sich mit der Technologie des Videorekorders und der Videokassette und wie sie Einfluss auf Praxen der Selbstdarstellung und der Alltagsrepräsentation in Amateurvideos genommen hat, aber auch, wie neue Kunstformen in Bezug auf und als Kritik am Fernsehen entstanden sind und damit die Grenze zwischen Museum und Film/Fernsehen überschritten wurde. Es soll aber auch um die Kopplung von Musik und bewegten Bildern im Musikvideo und die daraus hervorgegangene „MTV-Kultur“ gehen, die großen Einfluss auf Film- und Fernsehästhetik hatte und einen von John T. Caldwell als videografisch bezeichneten Stil etabliert hat. Ein weiterer Schwerpunkt wird die Transformation der Film- und Fernsehkultur durch die Videokassette und die Videothek sein, die Konstitution neuer Formen des Fantums und der Kanonisierung von Filmen, die Jeffrey Sconce als Paracinema bezeichnet hat. Das Seminar bietet auch die Möglichkeit, mit Musikvideos und Kunstvideos relative kurze Varianten audiovisueller Formate zu untersuchen und so auch in Begriffe und Methoden der Analyse der Ästhetik audiovisueller Formen einzuführen.

Zum Seminar wird ein Reader auf Grips erstellt.

Grundlage des Scheinerwerbs sind die Mitarbeit in den Seminaren, die Übernahme eines Referats und das Schreiben einer Hausarbeit.

In der 2012 erschienen Monografie Evil Media eröffnen Andrew Guffey und Matthew Fuller nicht nur eine Auseinandersetzung mit der unsichtbaren Seite der Prozesse der Vermittlung über Medien und das Tun der Medien, untersuchen Programme und Algorithmen, die ihnen Macht verleihen,  sondern sie bieten mit dem Slogan „Don’t be Evil!“ auch Handlungsanweisungen an, diese Kultur und ihre Bindung an digitale Medien zu unterlaufen und kritisch zu erfassen. Das Seminar will sich intensiv mit der Lektüre dieses Werkes über versteckte Macht in der von Guffey und Fuller so genannten ‚grauen Zone‘ der Medien beschäftigen und diskutieren, wie dieser medienökologische Ansatz sich für die Analyse der aktuellen, digitalen Medienkultur,  z.B. Big Data und Datentracking, eignet. Das Seminar wird den Blick auf das böse Tun der Medien um eine historische Dimension erweitern und sich die Frage stellen, ob zwischen den Ängsten vor den ‚haunted media‘ (Jeffrey Sconce), dem um die vorletzte Jahrhundertwende mit der Einführung elektronischer Medien verbundene Topos medialer Verbindungen zur Geisterwelt, und dem unsichtbaren und unreflektierten Wirken der ‘evil media‘ ein Zusammenhang hergestellt werden kann.

Grundlage des Scheinerwerbs sind Lektüre und Diskussion der im Seminar behandelte Texte sowie das Verfassen einer Hausarbeit.  

In dem französischen Film Auszeit(L’emploi du temps) von Laurent Cantet driftet ein  arbeitsloser Angestellter ziellos durch die Straßen und die Vorzimmer großer Firmen in dem Bemühen, seiner Familie und seiner Umwelt vorzuspielen, eine Stelle zu haben. Die Leere seines Daseins, die Imitationen von Gesten der Geschäftigkeit, aber auch die Sehnsucht nach dem ordnenden Moment von Arbeit bildet der Film in seiner Handlung und der Komposition seiner Einstellungen perfekt ab. Auch die Filme der Dardenne-Brüder stellen nicht nur als realistische Dramen des aktuellen Kinos Arbeit als Hintergrund seiner Charaktere dar, sondern konzentrieren sich auf Vorgänge des Arbeitens oder auf einen dramatischen Kampf der Figuren, Arbeit zu behalten, wie etwa in Zwei Tage, eine Nacht (Deux Jours, Une Nuit). Ken Loachs The Navigators wiederum analysiert in einem packenden Drama detailliert das fatale Scheitern von Liberalisierung und Privatisierung des öffentlichen Transportsystems in Großbritannien in den 1980er und 1990er Jahren. Dieses Seminar wird den Blick auf Filme und Formate des Fernsehens richten, die sich auf unterschiedliche Weisen mit der Tätigkeit der Arbeit beschäftigen. Dabei interessiert sich das Seminar nicht nur für kritische Auseinandersetzungen mit Arbeitswelten und Formen der Ausbeutung, die viele Klassiker des Kinos wie Murnaus Der Letzte Mann,  Chaplins Modern Times oder The Appartment von Billy Wilder hervorgebracht haben, sondern auch für so etwas wie eine Ästhetik der Arbeit, wie sie in Auszeit oder Zwei Tage, eine Nacht und vielen anderen Filmen durch das Interesse für die Wirklichkeit und die Lebensumstände der Menschen zum Ausdruck kommt. Es wird sich auch damit beschäftigen, wie die Bindung an den Alltag in Fernsehserien auf unterschiedliche Weisen in seinen Formaten Ausdruck findet: in Dramaserien generiert die Institution des Krankenaus immer wieder den benötigten Input der Konflikte, in der Sitcom stellt der Arbeitsort ein Surrogat der Familie dar (The Mary Tyler Moore Show oder Two Broke Girls)  oder wird in späteren Formaten dokumentarisch seziert (The Office). Das Seminar wird so etwas wie ein Geschichte der Darstellung von Arbeit im Kino und im Fernsehen nachzeichnen, unterschiedliche Strategien dieser Repräsentation identifizieren, in Screenings einzelne wichtige Werke sichten und analysieren und versuchen, die Ästhetik von Film und Fernsehen zu skizzieren, die sich von den Vorgängen, Bewegungen und Bedeutungen der Arbeit führen lässt.

Viele in der Medien- und Kulturwissenschaft diskutierte Begriffe haben mit Formen des Handelns zu tun und häufig ist damit auch eine Wertung der von Medien gegebenen oder genommenen Möglichkeiten verbunden. So wurde etwa immer wieder von Adorno und anderen Kritikern der Massenmedien der passive Konsum des Fernsehens und anderer Erzeugnissen der Populärkultur die herausfordernde Auseinandersetzung mit großen und anstrengenden Werken der hohen Kunst gegenübergestellt. In ihrer Kritik an dieser Vorstellung stellen die Cultural Studies dagegen die Aktivität des Zuschauers im Rezipieren eines Fernsehtextes heraus oder weisen auf eine ‚Kunst des Handelns‘, einer kreativen Alltagspraxis der Aneignung (de Certeau) hin. Dass Neue Medien diesen Handlungsspielraum scheinbar noch mehr erweitern, wird an Begriffen wie Interaktivität und Partizipation oder neuen kulturellen Formen wie dem transmedialen Erzählen deutlich. Aufgrund der massiven Transformation des Tätig-Seins von Menschen durch kleine, mobile Medien, die sich in alle Nischen des Lebens integrieren lassen besteht allerdings die Notwendigkeit, den Begriff des Tuns und der Aktivität zu überdenken. Auf der einen Seite stehen Beiträge wie die von David Gauntlett in Making is Connecting (2011), der die neuen kreativen Möglichkeiten und ihre befreiende Wirkung auf die Menschen im Anschluss an einen erweiterten Handlungsbegriff, der auch Handarbeit und Kunsthandwerk miteinschließt, zu diskutieren versucht. Auf der anderen Seite steht die Vermutung, dass digitale Medien uns räumlich und zeitlich in ein enges Netzwerk einspannen, unser Handeln zunehmend auf allen Ebenen steuern und massiv auf unsere Lebenspraxen einwirken: Kreative, aktive Arbeit wird zu einem emsigen, zwanghaften Tun, das seinen Sinn scheinbar nur im Tun selbst erfüllt (simsen, whatsappen, facebooken etc.) und keine weitere Bedeutung hat, als das Netzwerk selbst aufrechtzuerhalten. Das Seminar wird versuchen, den Begriff des Handelns und seine philosophischen Wurzeln zu erkunden (z.B. in Hannah Arendts Vita activa), kritisch auf einen Diskurs von Passivität, Aktivität und Interaktivität im Computerspiel, dem Web 2.0 oder anderen Angeboten der digitalen Medienkultur zu blicken und vor dem Hintergrund der Einführung digitaler, mobiler und vernetzter Medien nach Beiträgen zu suchen, die uns helfen dieses neue Tun mit ebenso neuen Begriffen zu erfassen.

Grundlage des Scheinerwerbs sind die Mitarbeit in den Seminaren, die Übernahme eines Referats und das Schreiben einer Hausarbeit.

Das Seminar versucht in
Screenings, Analysen und Textdiskussionen das Filmmusical vor allem als genuin
filmische Form zu erkunden, die nicht nur eine 
harmonische Zusammenführung von Tanz, Musik, Gesang und Schauspiel
sucht, sondern sich auch auf wesentliche Aspekte der filmischen Form bezieht:
Bewegung, Farbe, Rhythmus, Bildkomposition und vor allem die unterschiedlichen
Möglichkeiten, Übergänge zwischen Realität und Fantasie zu inszenieren. Aus
diesem Grund ist die Auseinandersetzung mit dem Filmmusical auch eine Erkundung
der grundlegenden Elemente des populären Kinos. Wichtigster Bezugspunkt des
Seminars ist das klassische Filmmusical der 1930er bis 1950er Jahre mit seinen
wichtigsten Akteuren und Regisseuren wie Vincente Minelli, Busby Berkeley, Fred
Astaire, Judy Garland oder Gene Kelly. Es wird sich aber auch dem Niedergang
des Genres in den 1960er Jahren, den weiteren Entwicklungen zum Spätmusical (Cabaret) oder der Rockoper (Tommy) widmen. Nicht nur die unzähligen
Musicalmomenten in unterschiedlichen Filmen des aktuellen Kinos (Inland Empire oder La La Land) oder Fernsehens (Glee
oder die Musicalepisode von Transparent)
verweisen auf die Aktualität des Genres, sondern auch die vielen Versuche von
Regisseur*innen wie Godard, Demy, Vardas, Resnais oder von Trier in Hommagen
auf das Genre Bezug zu nehmen oder das Genre zu erneuern und zu erkunden.  Letztendlich geht es auch um eine
medienphilosophische Erkundung eines populären Genres, das uns, wie Richard
Dyer es einst beschrieben hat, nicht sagen kann, wie die Utopie aussieht, aber
auf der sinnlichen Ebene vermitteln kann, wie es sich anfühlt, in einer besseren
Welt ‚irgendwo hinter dem Regenbogen‘ zu leben.

Anforderung und Organisation:

Ein großer Teil des Seminars wird
über die Lehrplattform Grips organisiert. Es wird eine Mischung aus folgenden
Elementen sein, die sich abwechseln werden: Aufgaben, Kommentare und
Präsentationen, die in Foren zu den jeweiligen Sitzungen eigenständig auf Grips
hochgeladen werden, und Zoomsitzungen, in denen ihre Beiträge diskutiert werden
sollen und Impulse für die Seminarthemen gegeben werden. Die Filme werden über
links auf Grips zugänglich gemacht. Eine Sammlung von Texten zum Musical werden
sie ebenfalls auf Grips finden.

Grundlage des erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind die Übernahme von 2 Aufgaben (Analysen,
Präsentationen oder Kommentare) und das Verfassen einer Hausarbeit (16-18
Seiten im Bachelor und 18-20 Seiten im Master)

Wichtig: Sie werden, wenn sie sich für den Kurs auf Lsf eingetragen haben, ab der ersten Vorlesungwoche, also ab Montag dem 12. April, per Mail das Passwort für das Seminar bekommen. Tragen sie sich dann bitte in den Gripskurs ein, weil sie dann alle weiteren Informationen über das Nachrichtenforum bekommen. Dort finden sie dann auch den Seminarplan und den Zoomlink.

Die erste reguläre Sitzung findet dann in der zweiten Semesterwoche statt.

Die Erkenntnis, dass Zeit und Medien eng miteinander verknüpft sind, findet sich nicht nur in den für die Medientheorie grundlegenden Arbeiten von Harold Innis, der darauf hinweist, dass Medien dafür genutzt werden, Probleme der Zeit in der Organisation einer Kultur zu bewältigen. Zunehmend wird auch im Zusammenhang mit neuen Medien von massiven Veränderungen der Zeitwahrnehmung und des Zeithandelns gesprochen. So ist von einer „time-space compression“ (Lash/Urry) die Rede, Manuel Castells spricht von der „zeitlosen Zeit“ moderner Netzwerkgesellschaften, das Mobiltelefon wird als ein Instrument der „micro-coordination“ beschrieben, dass massiv in unsere Alltagsgestaltung eingreift. Dieses Seminar führt in grundlegende und klassische Arbeiten zu dem Zusammenhang zwischen Zeit und Medien ein und setzt sich vor diesem Hintergrund mit aktuellen Transformationen unserer Medienkultur und der von ihnen geprägten Wahrnehmungs- und Handlungsmustern auseinander. Es wird sich dabei aber nicht nur auf neue Medien wie Mobiltelefon, Internet, Computer beschränken, sondern auch ‚alte‘ Medien wie Film, Literatur, Kunst und ‚Fernsehen‘ in den Blick nehmen.

Grundlage des Scheinerwerbs sind Referat und Hausarbeit.

Seminarbeschreibung:

Dass in den letzten Jahren häufig von einer goldenen Ära des Fernsehens gesprochen wird, hat viel mit Formaten des sogenannten ‚quality television‘ wie The Wire oder The Sopranos zu tun. Offensichtlich hat sich das Fernsehen durch ambitionierte, innovative Serien von einer ihm lange zugesprochenen ästhetischen Rückständigkeit befreit. Doch dieser Eindruck täuscht. Durch das Nachzeichnen einer Geschichte des ‚quality television‘ vom frühen Fernsehen bis heute soll in dem Seminar deutlich gemacht werden, dass es Qualität immer gegeben hat.  Der Begriff bezieht sich aber weniger auf eine objektiv feststellbare ästhetischen Komplexität, sondern bezeichnet unterschiedliche Strategien, Diskurse, stilistische Optionen, die mit den Veränderungen der Fernsehökonomie, Distributionsformen und Zuschauerschaft des Fernsehens zu tun haben. Die Beschäftigung mit ‚quality‘ bietet daher auch die Möglichkeit, die Ästhetik des Fernsehens, seinen Ort in der Kultur und seine Rezeption  besser zu verstehen. Neben der Lektüre wichtiger Texte zum Begriff ist auch die Sichtung und Diskussion ausgewählter Beispiele von ‚quality television‘ wie Requiem for a Heavyweight (1950er Jahre), Roots (Jahre 1970er Jahre), Twin Peaks (1990er Jahre), The Sopranos (2000er Jahre) oder House of Cards (2010er Jahre)  Gegenstand dieses Seminars.

Grundlage des Scheinerwerbs sind Referat und Hausarbeit.

Menschen mit Behinderungen zu
spielen ist ein fast sicherer Oskar-Garant für Hollywoodschauspieler*innen. Dies
ist ein Indiz dafür, dass die Repräsentation von Abweichungen
unterschiedlichster Art Medien fasziniert. Dieses Seminar wird eine
medienwissenschaftliche Auseinandersetzung mit dem Motiv der Behinderung auf
unterschiedlichsten Feldern der Medienkultur bieten. Es wird sich mit der
Repräsentation von Beeinträchtigungen in Medien wie Film, Fernsehen, Kunst oder
Literatur beschäftigen und unter anderem die Frage stellen, wo es gelungene
Darstellungen von Menschen mit Behinderungen gibt (z.B. in den Filmen der
Farrelly Brüder) und wo sie etwa auf die Funktion reduziert werden, die
Läuterung der ‚normalen‘ Protagonist*innen zu ermöglichen und selbst immer noch
Opfer zu bleiben. Das Seminar wird sich mit der von Foucault erkundeten
Darstellung und Konstruktion von Wahnsinn und Mechanismen der Ausgrenzung in
der Gesellschaft auseinandersetzen. Es wird aber auch um die besondere
Medialität und Materialität von Außenseiterkunst (Art Brut) oder Kunst von
Menschen mit Autismus gehen. Nicht zuletzt soll ergründet werden, was an den
Behinderungen, Verschiebungen und Störungen der Repräsentation fasziniert, wie
die Abweichung und Unterbrechungen von Schemata der Darstellung und Wahrnehmung
– das Aussetzen von Bewegung, Sehen und Hören – immer auch die Möglichkeit
bietet, eine neue Perspektive auf Medien zu eröffnen.

Parallel zum Seminar findet vom
17.5 bis zum 20.6. in der Stadtbücherei eine Ausstellung mit Kunst von Autisten
statt, die vom Verein akku e.V. – Autismus, Kunst und Kultur veranstaltet wird
(„Alles fliegt zu Fliegepreisen. Lesen, Schreiben und Erzählen“). Begleitend zu
Ausstellung und zum Seminar wird es am 21. Mai auch ein Symposium „Kunst,
Medien und Autismus“ geben. Es ist geplant, im ersten Drittel des Seminars auch
Beiträge zu den Werken und Künstler*innen dieser Ausstellung zu erstellen.

Grundlagen des erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind die Übernahme eines Referats/Beitrags und das
Verfassen einer Hausarbeit (Abgabe am 30. September 2022).  

In den 1950er hat ein Genre des
populären Kinos in Deutschland nicht nur eskapistische Unterhaltung geboten. Ein
Film wie Grün ist die Heide hatte
auch konkret die Aufgabe, einen filmischen Raum zu konstruieren, in dem
Menschen (wie die Vertriebenen) einen Platz finden und in die Gemeinschaft
integriert werden.  Dieses Seminar wird
die Frage nach der medialen Repräsentation von Heimat nutzen, um nicht nur den
Heimatbegriff als mediale Konstruktion zu kritisieren, sondern auch seine
Bedeutung im Kontext aktueller gesellschaftlicher Veränderungen und
migrantischen Erfahrungen zu betrachten, die eine immer stärkere Rolle in
unserer durch Globalisierung geschaffenen Welt spielen.  Heimat ist immer der Gegenbegriff zu einer
verlorenen Heimat und gerade deshalb ein Referenzpunkt des postkolonialen
Kinos, der Mediennutzung in der Diaspora mit Fernsehprogrammen, die über
Satellit empfangbar wurden, oder der transnationalen Gemeinschaftsbildungen,
die über neue Medien möglich werden. Heimat bedeutet aber auch die
Gegenüberstellung von Zentrum und Peripherie, von Stadt und Land, impliziert
die aktive Konstruktion von Grenzen, an der Medien immer beteiligt sind. Daher
stellt sich auch die Frage, welche Bedeutungen Heimat heute hat, welche
Funktionen alte und neue Heimatfilme für die Gesellschaft erfüllen können,
welche Raumvorstellungen damit verbunden sind, und vor allem wie sich ein
inkludierender Heimatbegriff denken lässt, der migrantische Erfahrungen mit
einbezieht. Dies versucht das Seminar durch die Lektüre von Texten und die
Analyse von Filmen und populärkulturellen Gegenständen zu Heimat, Identität,
Medien, Raum, Migration und Flucht zu erkunden.   

Grundlage der erfolgreichen
Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 31.3.2023) und die
regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

Neben der Medientheorie etabliert sich in den letzten Jahren immer stärker das Feld der Medienphilosophie, das mittlerweile auch eigene Lehrstühle wie in Weimar hervorgebracht hat. Medienphilosophische Texte beziehen sich zum Teil auf Medien allgemein und schließen dabei an klassische Vertreter der Philosophie an, um Aspekte der Medialität, der Form und Wirkung von Medientechnologien zu erkunden. Sie sind aber auch Teil mittlerweile sehr breit aufgestellter Subdisziplinen wie der Filmphilosophie, zu der wichtige Philosophen wie Stanley Cavell und Gilles Deleuze gehören. Dieses Seminar begreift sich als Einführung in die Medienphilosophie und wird sich mit ausgewählten philosophischen Texten zu Medien wie Film, Fernsehen, Internet, Computer etc. beschäftigen und sich unter anderem die Frage stellen, was einen philosophischen Zugang von einem medienwissenschaftlichen oder -theoretischen unterscheidet sowie worin ein möglicher Mehrwert der Verbindung von Philosophie und Medienwissenschaft zu finden ist. Es soll auch versucht werden, über diese Fragestellung eine Disziplin der Medienphilosophie zu konturieren.

Grundlagen des Scheinerwerbs sind Referat und Hausarbeit.

Die Übung versucht in die Analyse von Film- und Fernsehgegenständen einzuführen und diese mit einer Auseinandersetzung mit der Frage zu verknüpfen, wie in audiovisuellen Medien Wirklichkeit dargestellt wird. Dabei soll deutlich werden, dass das Etikett Realismus zwar schon immer und immer noch eine Anwendung findet, sich aber die Art der Darstellung von Wirklichkeit in sowohl fiktionalen wie dokumentarischen Formaten massiv verändert hat. Doch obwohl sich kaum Gemeinsamkeiten zwischen dem poetischen Realismus des französischen Kinos der 1930er und 1940er Jahre, dem Hyperrealismus aktueller Kinofilme wie Viktoria (2015) oder den Formaten des Reality TV von heute finden lassen, soll deutlich werden, wie der Begriff Realismus eine gute Möglichkeit bietet, die Entwicklung von filmischen und televisuellen Formaten zu perspektivieren.

Grundlage des Scheinerwerbs ist die Analyse und Diskussion eines Films oder einer Fernsehsendung  in der Übung und deren schriftlichen Ausarbeitung.

Dass Medien nicht nur von Sport
berichten, sondern auch erst die Konstitution einer Realität des Sports
ermöglichen, ist eine Ansicht, die in den letzten Jahren in der
Medienwissenschaft intensiv diskutiert wird. Medien beobachten den Sport,
öffnen ihn für die Analyse, ermöglichen die Begutachtung sportlicher
Leistungen. Ebenso bietet der Sport als populäre kulturelle Form die
Möglichkeit, innovative Medientechnologien auszuprobieren und zu bewerben, wird
Mediensport zu einem Bezugspunkt des medialen Wandels. Dieses Seminar
untersucht die Mediatisierung von Sport in unterschiedlichen Bereichen: Die
Inszenierung von Sport in Film und Fernsehen, die Veränderung der stilistischen
und medientechnologischen Mitteln in der Repräsentation von Sportinhalten, die
Darstellung und Ästhetisierung des Körpers, die Veränderung des Mediensports
durch Internet-Medien wie YouTube, die Mediatisierung des Freizeitsports durch
den Einsatz von Mediengeräten wie dem I-Phone und Fitness-Apps. Im Seminar
sollen grundlegende medienwissenschaftliche Texte zum Sport gelesen und
diskutiert werden sowie einzelne Sportarten und ihre mediale Darstellung sowie
ihre medienkulturelle Bedeutung untersucht werden.

Organisation und Anforderungen:

Ein großer Teil des Seminars wird
über die Lehrplattform Grips organisiert. Es wird eine Mischung aus folgenden
Elementen sein, die sich abwechseln werden: Aufgaben, Kommentare und
Präsentationen, die in Foren zu den jeweiligen Sitzungen eigenständig auf Grips
hochgeladen werden, und Zoomsitzungen, in denen ihre Beiträge diskutiert werden
sollen und Impulse für die Seminarthemen gegeben werden. Die Beiträge und
Analysen beziehen sich entweder auf Texten/Theorien oder auf einzelne
Sportarten.

Grundlage des erfolgreichen
Seminarabschluss sind die Übernahme von Aufgaben für die Seminarsitzungen und das
Verfassen einer Hausarbeit (ca. 12 Seiten).

Wichtig: Sie
werden, wenn sie sich für den Kurs auf Lsf eingetragen haben, ab der
ersten Vorlesungwoche, also ab Montag dem 12. April, per Mail das
Passwort für das Seminar bekommen. Tragen sie sich dann bitte in den
Gripskurs ein, weil sie dann alle weiteren Informationen über das
Nachrichtenforum bekommen. Dort finden sie dann auch den Seminarplan und
den Zoomlink.

Die erste reguläre Sitzung findet dann in der zweiten Semesterwoche statt.

Dieses Seminar wird die Geschichte der Sitcom von seiner Erfindung im US-Fernsehen der 1950er Jahre mit Sendungen wie I Love Lucy bis zu aktuellen Sitcoms wie Big Bang Theory nachzeichnen. Das auf den ersten Blick ästhetisch ‚armselig‘ und gewöhnlich wirkende Genre der Sitcom erweist sich dabei als eine Form mit einer komplexen Geschichte, die auf hintergründige Weise seinen Stil verändert und auf intensive Weise mit Kultur und Gesellschaft interagiert. Die Sitcom liefert als exemplarisches Fernsehgenre Einblick in das Wesen von Fernsehen als Unterhaltungsmedium. Die Lektüre kultur- und medienwissenschaftlicher Texte zu dem Genre sowie die Analyse einzelner Szenen wichtiger Sitcoms soll zu einer Auseinandersetzung mit audiovisuellen Erzählformen und ihrer Rezeption führen. Dabei wird auch erkundet, wie die Sitcom das Medium des Fernsehens, seine Zuschauer und unsere Beziehung zur Welt erkundet und wie sie mit innovativen Formen wie The Office bis heute die Fernsehästhetik weiterentwickelt. Exemplarische Folgen klassischer und neuerer Sitcoms werden im Seminar gesichtet.

Zur Einführung empfohlen: Herbert Schwaab, „Dancing King of Queens“ im online-Magazin Kultur und Geschlecht # 4 (2009).

Grundlage des Scheinerwerbs sind Referat und Hausarbeit.

Mit dem Hinweis des Schöpfers der Serie The Sopranos David Chase, er wolle mit jeder Episode einen kleinen Kinofilm anbieten, verbindet sich eine Strategie des Fernsehens, Ansehen durch die Imitation einer Kinoästhetik zu gewinnen. Der Begriff des ‚cinematic television‘ ist fast zu einem Synonym geworden für ein Qualitätsfernsehens, das eine neue Identität und Existenz außerhalb des Fernsehens anstrebt. Das Seminar will nicht nur diese Strategie untersuchen, sondern auch die Geschichte und die einzelnen Elemente (z.B. filmische Kameraführung, Ausstattung, etc.) einer filmischen Fernsehästhetik erforschen. Das Seminar will aber mit dem Begriff des ‚televisual cinema‘ auch die andere Seite der Wechselwirkung zwischen Fernsehen und Film untersuchen und deutlich machen, dass Fernsehen starke Auswirkung auf Narration und Ästhetik von Film haben kann: In seriellen Mustern des filmischen Erzählens, in von segmentierten, seriellen Fernsehtexten beeinflussten multiperspektivischen Erzählformen von Filmen, die auf ähnliche Weise einen Abschluss verweigern wie Fernsehserien, in der Rolle, die Regisseure des Fernsehens für das Hollywoodkino der 1960er und 1970er Jahre gespielt haben (Sidney Lumet, John Frankenheimer, Steven Spielberg), in den vielen Fällen von Spielfilmadaptionen von Fernsehserien (Starsky and Hutch, A Very Brady Bunch Movie, etc.), aber auch in der Tatsache, dass der deutsche Film immer sehr stark von Ko-Produktionen mit Fernsehsendern profitiert hat. Das Seminar lädt auch dazu ein, mit dieser Umkehrung der Perspektive die Reziprozität beider Medien stärker herauszustellen und die Produktivität eines neuen Begriffes medienwissenschaftlicher Forschung zu erkunden.    

Zum Seminar wird ein Reader bereitgestellt. Grundlage des Scheinerwerbs sind Referat und Hausarbeit.  

Dieses Seminar setzt sich mit den grundlegenden Texten zur Theorie des Fernsehens auseinander, von Raymond Williams ‚Flow‘-Begriff, über die Konstitution einer beiläufigen Fernsehrezeption bei Tania Modleski, das Konzept des ‚witnessing‘ von John Ellis oder des ‚monitoring‘ bei Stanley Cavell, bis zu der Skizzierung einer eigenständigen Audiovisualität des Fernsehens bei John T. Caldwell und zu Konzepten, die das Zusammenspiel von Fernsehen und neuen Technologien (z.B. im Transmedialen Erzählen) ergründen. Das Seminar will in die Lektüre komplexer medienwissenschaftlicher Texte einführen sowie ein Verständnis für die Ästhetik, Kultur und soziopolitischen Bedeutungen des Fernsehens schaffen, die an anschaulichen Beispielen diskutiert werden und die Aktualität und Lebendigkeit des in jüngster Zeit häufig totgesagten Gegenstandes beweisen. 

Grunldage des Scheinerwerbs sind Beteiligung an der Seminardiskussion, das Verfassen eines Kommentars mit fünf Diskussionsfragen in den Seminarsitzungen und das Verfassen einer Hausarbeit (12 Seiten)

Erst 2014 im hohen Alter verstorben, umfasst die Karriere des französischen Regisseurs Alain Resnais von seinem ersten bekannten Werk, dem dokumentarischen Essay Nuit et Bruillard (Nacht und Nebel, Frankreich 1955), über seinen ersten Langfilm Hiroshima, Mon Armour (1959) bis zum seinem letzten Werk Aimer, Boire et Chanter (2014) fast 60 Jahre. Resnais wird häufig (unter anderem von dem Filmphilosophen Gilles Deleuze) als der Vertreter par excellence eines intellektuellen Kinos betrachtet. Tatsächlich erkunden seine Filme wie L’année dernière à Marienbad (1961) oder La Guerre est Finie (1965) Formen des Denkens, Erinnerns und Vorstellens. Aber das Werk von Resnais lässt sich auf diesen Aspekt nicht reduzieren, vielmehr verbindet sich dieses Motiv im Laufe seiner Karriere immer stärker mit einem Nachdenken über das Kino und die Populärkultur, was etwa im Fall seines Neo-Musicals On Connait la Chanson (1997) in Filmen Ausdruck findet, die ebenso unterhalten wie zum Nachdenken anregen. Mit Filmen wie Je t’aime, Je  t’aime (1969) oder Providence (1977) hat Resnais zudem schon sehr früh die Vorbilder für das Genre der Mindgame-Filme, zu dem etwa Inception oder Eternal Sunshine of the Spotless Mind gehören, geliefert. Das Seminar wird in Screenings ausgewählter Filme durch das Werk führen, versuchen, die Linien einer interessanten Entwicklung, die vom intellektuellen Kino hin zum unterhaltenden Kino führt, nachzuzeichnen, sich mit grundlegenden Texten zum Werk von Resnais beschäftigen und dabei auch untersuchen, wie die intensive Beschäftigung mit den Filmen eines Regisseurs auch die Möglichkeit bietet, über die Beiträge von Film zur Medienkultur nachzudenken.

Zum Seminar wird ein Reader bereitgestellt. Grundlage des Scheinerwerbs  sind Referat und Hausarbeit.

Dieses Seminar wird
filmtheoretische Konzepte vom frühen Kino bis heute vorstellen. Dabei sollen
die wichtigsten Aspekte der vorgestellten Filmtheorien und ihr
filmgeschichtlicher Kontext deutlich werden. Das Seminar zielt vor allem
darauf, zu vermitteln, dass Theorie koexistieren können, jede Theorie neue
Perspektiven auf Filme eröffnet und unterschiedliche Möglichkeiten der Analyse
bietet. Zu jeder Theorie wird jeweils ein Film, der filmgeschichtlich zu den
Theorien passt, behandelt, zum Beispiel der Film Citizen Kane im Zusammenhang mit den Theorien von André Bazin. Im
zweiten Teil der Sitzungen werden Analysen der Filme der Studierenden
diskutiert, die versuchen sollen, mit der Perspektive der Theorien die Filme zu
betrachten. Ziel des Seminars ist es, die Fähigkeit zur Analyse von Filmen zu
vermitteln und gleichzeitig deren Verbindung zu filmtheoretischen Diskussionen
von Filmen deutlich zu machen.

Grundlagen eines erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind die Übernahme und Diskussion einer Analyse im
Seminar und deren Ausarbeitung als Hausarbeit (Abgabe 30. September 2022)

Diese Übung wird in die Analyse von Fernsehen einführen und wichtige Definitionen und Konzepte erklären, die bei der Untersuchung des Fernsehens zu berücksichtigen sind. Die Übung beschäftigt sich nicht allein mit der Form des Fernsehens, sondern auch mit der Analyse der  kulturellen Bedeutung und der Rezeption des Mediums. Die Übung unterteilt sich in eine kleine Vorlesung zu zentralen Begriffen und Theorien der Fernsehanalyse und in die Sichtung und Analyse kurzer Clips von Fernsehformaten wie Sport, Sitcom, Daily Soap, Nachrichten, Show oder Krimi, an denen die Produktivität der einzelnen Ansätze erprobt werden soll. Die Übung wird sich auch darum bemühen, in das Vokabular der Analyse (Einstellungsgrößen, Schnitt, Ton, Mise-en-scène etc.) televisueller Gegenstände einzuführen. 

Grundlage für den Scheinerwerb ist die Analyse eines Gegenstandes in Referatsform sowie deren schriftliche Ausarbeitung (ca. 6 Seiten).

In den letzten Jahren verändert sich vor allem durch neue Medien die Erzählform von Film und Fernsehen. Autoren wie Henry Jenkins oder Angela Ndalianis haben für diese Veränderungen den Begriff des transmedialen Erzählens geprägt. Dabei handelt es sich um eine von Konvergenz geprägte Narration, die sich nicht mehr auf ein Medium beschränkt, sondern sich auf ein Netzwerk unterschiedlichster Medien und Plattformen verteilt. Besonders Fernsehserien wie Lost bedienen sich strategisch anderer Medien, nicht allein um Interesse für die Serie zu wecken und zu erhalten, in Internetforen den Menschen die Möglichkeit zu geben, über die Serie zu kommunizieren, sondern auch, um die Erzählung weiter zu führen und zu erweitern. Dadurch findet eine größere Sättigung des von einem Format erzeugten narrativen Universums statt.

 Das Seminar wird sich mit diesen neuen Formen des Erzählens beschäftigen, sich die Frage stellen, wie stark transmediales Erzählen von den neuen Medien abhängig ist und ob sich aus neuen Medien und der Erscheinung der Konvergenz tatsächlich eine Verlagerung des Erzählens auf andere Medien notwendig ergeben muss. Eine Serie wie Lost erscheint dabei wie das notwendige Produkt einer Netzwerklogik, die unsere Kultur immer stärker erfasst. Das Seminar wird sich aber auch zur Kontextualisierung dieses Phänomens mit Vorformen des transmedialen Erzählens jenseits der neuen Medien in klassischen Medien beschäftigen und dabei dessen ‚Neuheit‘ auch in Frage stellen.

Obwohl bereits im Jahr 2000 verfasst, lässt sich Lev Manovichs The Language of New Media immer noch als eines der brauchbarsten Werke in der Auseinandersetzung mit digitalen Medien begreifen. Durch seine Herkunft aus der Informatik und seinen Arbeiten in der Computerkunst gehört Manovich zu den wenigen Medienwissenschaftlern, die profunde Kenntnisse der Technologie, das Verständnis für die Ästhetik des Digitalen und Konzepte der Medientheorie auf produktive Weise miteinander zu verknüpfen wissen. Language of New Media erschließt sich nicht nur auf anschauliche Weise die wichtigsten Aspekte eines ‚Wesens‘ des Digitalen, sondern problematisiert auch die Grundlagen der Computerkultur und die Auswirkungen digitaler Medien auf Kultur und Gesellschaft. 

Im Zentrum der Übung steht die intensive Lektüre einzelner Kapitel des zur Anschaffung dringend empfohlenen Bandes. Es soll nicht nur Werkzeug zur Auseinandersetzung mit digitalen Medien liefern, es soll auch diskutiert werden, wie neuere Entwicklungen von Medientechnologien mit Manovich verstanden werden können.

Die amerikanische Sitcom King of Queens gehört zu jenen ästhetisch überaus gelungenen Gegenständen, die wegen ihrer fernsehspezifischen Unscheinbarkeit zwar viele Anhänger haben, aber wenig Echo in der Medientheorie und -wissenschaft finden. Dieses Seminar wird die Sitcom am Beispiel 12 besonders gelungener Episoden als ein wichtiges, televisuelles Artefakt behandeln. Die Episoden sollen gegenstandsbezogen in eine Diskussion zentraler Motive der Medienwissenschaft einführen. Die Tatsache des Unterhalten-Werdens durch die Sitcom wird hier als Bezugspunkt der Auseinandersetzung mit dem eigenen Zugang zu Fernsehen, des Abgleichs von Theorie und Erfahrung  begriffen.  Das Seminar geht von der Annahme aus, dass Unterhaltung ein wichtiger Aspekt der ‚philosophischen’ Beschäftigung mit den Bedingungen unseres Menschseins innerhalb und außerhalb des Mediums darstellt. Es soll deutlich werden, dass King of Queens selbst und nicht dessen theoretische Aufladung wichtige Beiträge zur Medienwissenschaft leisten kann und sich dabei mit Fernsehästhetik, mit Identität und Geschlecht, mit Bedingungen von Konsum und Unterhaltung, mit Imagination und dem Sichtbarwerden von Menschen in audiovisuellen Erzählungen auseinandersetzt. 

Die einzelnen Unterrichtseinheiten bestehen aus der Sichtung einer Episode. Die daran anschließende Zusammenfassung wird versuchen, an dieser Episode einen wichtigen Aspekt der Fernsehgeschichte oder -theorie zu erläutern. Zudem sollen die philosophischen Erträge der Repräsentation sozialer Beziehungen in der Sitcom fokussiert und in einer anschließenden Diskussion aufgearbeitet werden.

Mit dem Konzept der Mediatisierung wird in den letzten Jahren ein medienkulturwissenschaftliches Konzept eingeführt, das die wachsende Durchdringung des Alltags durch Medien und ihr Einwirken auf Handeln und Kommunikation der Menschen zu erfassen versucht. Friedrich Krotz beschreibt Mediatisierung als einen nicht abgeschlossenen, dynamischen Metaprozess des Medienwandels, der auch gesellschaftliche Interaktionen verändert (Krotz 2007). Mediatisierung eignet sich als Ansatz, um die Irritation und Transformationen zu erkunden, die dadurch entstehen, dass neue, kleine, mobile anpassungsfähige Mediengeräte sich in immer mehr Kontexte des Alltags einfügen und Kommunikations- und Handlungszusammenhänge ‚mediatisieren‘, die vorher unabhängig von Medien stattgefunden haben. Das Seminar stellt die Frage, ob das Konzept der Mediatisierung, das von einem bewussten, reflektierten, kommunikativen Handeln der Menschen ausgeht, wirklich alle Aspekte dieser Veränderungen und der Einwirkungen der Medientechnologien auf unsere Wirklichkeit erfasst. In Erweiterung zu diesem Konzept soll vor allem das von Bolter/Grusin (2000) skizzierte Konzept der Remediatisierung eine stärkere Historisierung dieser Veränderungen und vor allem auch eine Auseinandersetzung mit den Diskursen, die diese begleiten, ermöglichen. So kann eine Perspektive nicht nur darauf gefunden werden, wie die Neuen Medien die Wirklichkeit verändern, sondern auch, wie diese Veränderungen in wiederkehrende Schemata der Mediengeschichte, als ‚Verbesserung‘ der Medien einzuordnen sind. Ein Aspekt dieser Veränderung, so Bolter/Grusin, ist das ‚Bedürfnis‘ des Mediums, sich sichtbar zu machen und gleichzeitig unmittelbaren Zugang zur Welt zu versprechen. Nicht nur an Texten, sondern auch an unterschiedlichen Medientechnologien (z.B. Internet, Twitter, Mobiltelefon, I-Pod, Film, Fernsehen, etc.), die in Form von Referaten vorgestellt werden, sollen diese Veränderungen und die mit Medien verbundenen Diskurse diskutiert werden.

Zum Seminar wird ein Reader auf Grips bereitgestellt.

Grundlage des Scheinerwerbs sind die Mitarbeit in den Seminaren, die Übernahme eines Referats und das Schreiben einer Hausarbeit.

Das Fernsehen war immer eng verknüpft mit dokumentarischem Filmschaffen, das mit diesem Medium häufig einen geeigneteren Kanal als das Kino für die Verbreitung ihrer Werke fand. Ambitionierte dokumentarische Projekte wie die politisch engagierte, kritische und ironische Dokumentarserie Zeichen der Zeit in den 1960er Jahren oder die für das britische Fernsehen produzierte Langzeitstudie Seven Up, die seit über 40 Jahren den Weg von Schulkindern zum Erwachsenwerden begleitet, machen deutlich, dass das Fernsehen ein zentrales Medium der Weiterentwicklung dokumentarischer Formate ist. Das Seminar wird sich mit der Geschichte des Fernsehdokumentarismus beschäftigen und Klassiker des Genres untersuchen. Zugleich wird es auch die Weiterentwicklung solcher Formate bis zum Reality TV nachzeichnen und sich die Frage stellen, welcher Status von Wirklichkeit den klassischen und neueren Formaten des Fernsehdokumentarismus zugeordnet werden kann. Wirklichkeit, so soll deutlich werden, ist das Ergebnis einer Produktion von Wirklichkeit durch das Fernsehen, die aber immer auch auf wesentlich andere Weise als fiktionale Formate ihren Input in Alltag und Realität findet. Das Seminar versucht nicht der Verlockung zu einer naiven Kritik von Sendungen wie Dschungelcamp oder scripted reality-Formaten nachzugeben, sondern zielt vielmehr darauf, die Wahrnehmung und Effekte solcher Formate im Anschluss an eine philosophische und theoretische Auseinandersetzung mit der Geschichte und Ästhetik des Dokumentarischen zu erkunden.  Es wird sich die Frage stellen, worin das Besondere und Eigenständige von Fernsehformaten zu finden ist, die durch ihr Genre mit der Behauptung und dem Versprechen verbunden werden, in irgendeiner Weise etwas mit der Realität zu tun zu haben.

Ein großer Teil des Seminars wird über die Lehrplattform Grips organisiert. Es wird eine Mischung aus folgenden Elementen sein, die sich abwechseln werden: Aufgaben, Kommentare und Präsentationen, die in Foren zu den jeweiligen Sitzung eigenständig auf Grips hochgeladen werden, Zoomsitzungen und Live-Chats.

Für das Seminar wird zeitnah als Seminarplan ein genauer Fahrplan erstellt, aus dem zu ersehen sein wird, zu welchem Termin jeweils eine Zoomsitzung, ein Live-Chat oder eine asynchrone Sitzung stattfinden wird, die sich auf Aufgaben, Präsentationen und Kommentare stützt, die  sie im Forum zur jeweiligen Seminarsitzung finden werden.

Wer sich im Lsf eingetragen hat, wird in der ersten Semesterwoche eine Mail mit weiteren Informationen und der Kennung für den Gripsordner bekommen. Sollten sie keine mail erhalten, schreiben sie bitte nochmal eine Mail.

Das Seminar wird mit einer Hausarbeit abgeschlossen.

Wie nicht zuletzt Stanley Cavells
filmphilosophische Arbeiten zeigen, geht das Genre der romantischen Komödie
weit darüber hinaus, nur ein Unterhaltungsformat zu sein. Unter dem Begriff der
‚comedy of remarriage‘ fügt Cavell eine Reihe von Komödien des klassischen
Hollywoodkinos zusammen und stellt deren philosophische Beiträge zu einer
Auseinandersetzung mit Problemen menschlichen Zusammenlebens heraus. Das
Seminar versucht die Evolution des Genres nachzuzeichnen und zu erkunden, wie
es sich durch den Wandel der Gesellschaft auch mit veränderten Problemlagen
beschäftigt. Diese Auseinandersetzung reicht von dem frühen Kino und Cecil B.
DeMilles Sittenkomödien der 1910er Jahren, über die ‚comedy of remarriage‘ des
klassischen Hollywoodkinos sowie den Sexkomödien mit  Doris Day der 1950er und 1960er Jahren bis zu
postklassischen Komödien wie Four
Weddings and a Funeral, die von dem Filmwissenschaftler Celestino Deleyto
auch als ‚deception narratives‘ bezeichnet werden, weil sie das Konzept der
romantischen Liebe nur noch nostalgisch als filmisches Konstrukt verhandeln.
Zugleich wird das Seminar untersuchen, wie sich die Übersetzung einiger philosophischer
Anliegen romantischer Komödien in Filmen und Fernsehserien wie Eternal Sunshine of the Spotless Mind
oder Gilmore Girls wiederfinden lässt und wie sich diese Gegenstände als
‚wirkliche‘ Fortsetzungen des Genres begreifen lassen.

Wichtige Filme des Genres werden
während des Seminars gesichtet.

Grundlage
der erfolgreichen Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 30.9.2023)
und die regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

YouTube ist nur eine von vielen Plattformen einer neuen Medienkultur, die die Distribution und den Zugang zu audiovisuellen Inhalten radikal verändert hat. Die Hoffnung, einen Film oder eine Fernsehserie wiederzusehen, war früher einzig abhängig von der Willkür eines Senders. Heute ist die Erfüllung dieses Wunsches nur einen Click entfernt, der Nimbus einer seltenen Erfahrung verliert sich jedoch in dem Gleichmut, die eine Kultur der ständigen Verfügbarkeit auslöst. Dieses Seminar erforscht die unterschiedlichen Plattformen, Online-Archive, Mediatheken und ihre Effekte nicht nur auf die Wahrnehmung audiovisueller Inhalte, sondern auch auf die Medienwissenschaft selbst, die ihr einst flüchtiges Untersuchungsmaterial jetzt in der aufbereiteten, handlichen Form kurzer Clips geboten bekommt: Theorien und Konzepte werden, so ist anzunehmen, heute auf einer völlig anderen Grundlage entwickelt, ebenso kann die medienwissenschaftliche Lehre auf eine große Auswahl von Clips zurückgreifen. Das Seminar will auch die Auswirkungen auf die Ästhetik neuer audiovisueller Inhalte untersuchen, beispielsweise die Veränderung der Erzählform von Filmen, die sich aus dem über Videoplattformen erworbenen Wissen über audiovisuelle Inhalte ergeben. Ebenso beschäftigt es sich mit den Inhalten selbst, die für Plattformen gestaltet oder bearbeitet werden, beispielsweise Musikclips, Videoclips oder Formen der Selbstpräsentation und der Alltagsinszenierung auf der Plattform YouTube. Es untersucht nicht nur die von Videoplattformen ermöglichte Kreativität der Nutzer, sondern auch die Formatierung dieser Kreativität durch die technologischen Implikationen digitaler Medien.   

Der japanische Anime nimmt durch seine Adressierung sowohl
eines kindlichen wie erwachsenen Publikums eine besondere Rolle in der globalen
Populärkultur ein. Nicht nur die Filme von Hayao Miyazaki wie Prinzessin
Mononoke oder Mein Nachbar Totoro, sondern auch Filme wie Summer Wars oder Your
Name gehören zu einer Reihe von Animationsfilmen, die immer wieder
Aufmerksamkeit für die japanische Filmkultur geweckt haben. Anime-Filme und
Anime-Fernsehserien faszinieren nicht nur durch ihre epischen Erzählformen,
einer Dramaturgie voller Abschweifungen, ihrer tiefgründigen Auseinandersetzung
mit Identität, gesellschaftlichen Konflikten und geschichtlichen Traumata,
sondern auch durch eine eigenwillige Ästhetik der Verwandlung, der
kinästhetischen Stimulation und einem einzigartigen Zusammenspiel von Bewegung
und Stillstand in der sogenannten limitierten Animation. 

Dieses Seminar wird den Anime nicht nur im Zusammenhang mit
seiner Herkunft im Manga untersuchen, sondern auch vor dem Hintergrund der
japanischen Filmkultur betrachten. Dadurch soll ein Einblick in das japanische
Kino ermöglicht und kritisch die Frage behandelt werden, ob sich die Ästhetik
des Anime unmittelbar auf die Besonderheit der japanischen Filmkultur oder
einer japanischen Ästhetik zurückführen lässt und die Kategorie einer
nationalen Filmkultur produktiv für die Auseinandersetzung mit Filmen ist.

Im Seminar werden einige Klassiker des japanischen Kinos und
des Anime sowie aktuelle Film- und Fernsehproduktionen des Genres über Links
zugänglich gemacht. Zum Seminar wird eine Reihe von Texten auf Grips zur
Verfügung gestellt, die im Seminar diskutiert und in Referaten aufgearbeitet
werden sollen. 

Grundlage des erfolgreichen Abschlusses des Seminars sind
Anwesenheit und Beteiligung an der Seminardiskussion, Referat und Hauarbeit.

Das Repetitorium „Basiswissen“ dient der Lektüre, Relektüre und Diskussion grundlegender Texte der Medienwissenschaft, die zu Beginn des Masterstudiums als kompakter Überblick über zentrale Fragestellungen und theoretische Positionen des Fachs aufbereitet werden.

Anforderungen: Ein großer Teil der Übung wird über die Lehrplattform Grips organisiert. Es wird eine Mischung aus folgenden Elementen sein, die sich abwechseln werden: Aufgaben, Kommentare und Präsentationen, die auf Grips hochgeladen werden, kurze Zoomsitzungen und Live-Chats. Die Übung wird mit einem Essay (4-6 Seiten) abgeschlossen.

Angemeldete Teilnehmer*innen bekommen in der ersten Semesterwoche eine Email mit dem Passwort zur Einschreibung in den Grips-Ordner zu dieser Übung.

Die „Grundkonzepte digitaler
Medien” bieten eine Einführung in zentrale Begriffe und Problemfelder digitaler
Medien. Im Vordergrund steht dabei die Frage nach dem Wesen und Wandel des
Digitalen sowie nach seinen medialen Erscheinungsformen und Effekten auf Kultur
und Gesellschaft. Die Lektüre einschlägiger theoretischer Texte zu Hypertext,
Virtualität oder Algorithmizität, zum Verhältnis von Hardware/Software, zu
Datenströmen im Zeitalter ihrer ökonomischen Verwertbarkeit, Öffentlichkeiten
im Internet und vielem mehr eröffnet einen ebenso breiten wie tiefgehenden Einblick
in ein zwar junges, aber in den letzten Jahren immer dominanter werdendes
Forschungsfeld.

Das Seminar wird mit einer Klausur in der letzten Woche der Vorlesungszeit abgeschlossen.

Mit Mobilities hat John Urry ein
Feld der medien- und kulturwissenschaftlichen Forschung abgesteckt, auf dem
unterschiedliche Formen der Mobilität erkundet werden – von virtuellen
Bewegungen, die Medientechnologien wie Fernsehen oder Computerspiel  ermöglichen, über die Mobilität tragbarer
Mediengeräte und einem davon bedingten Medienhandeln bis zu Aspekten der
Bewegung von Verkehrsmitteln und ihrem zum Teil massiven Einfluss auf unsere
Kultur. Mobilität und Medien will an diese weit reichende Definition von
Mobilität anschließen und sich mit kritischen Perspektiven auf die
Mobilitätskulturen und Autor:innen wie Mimi Sheller beziehen, unterschiedliche
Formen der Mobilität diskutieren, die Transformationen, die mit
Mobilkommunikation, Handy und Smartphone einhergehen und ihre Vorläufer untersuchen,
sowie sich mit medien- und kulturwissenschaftlichen Konzepten der Mobilität
beschäftigen, die mit Begriffen der ‚spaces of flows‘ (Castells), compact
culture oder einer flüssigen Moderne (Baumann) verbunden sind.

Das Tier im Fernsehen mag ein mitleidig ein Zuhause suchendes Wesen sein, ein kluger Hund, der als treuer Helfer Familien vor Gefahren bewahrt oder auch ein weißer Hai, der irrationale, triebgesteuerte Gewalt verkörpert. Die Beispiele verweisen darauf, dass die Medien Film und Fernsehen schon immer auf besondere Weise von Tieren angezogen wurden, was sich etwa auch darin zeigt, dass der Schäferhund Rin Tin Tin in den 1920er Jahren einer der erfolgreichsten Stars des Hollywoodkinos war. Auch das Fernsehen hat mit Tierdokumentationen bereits in seiner Frühzeit eines der erfolgreichsten Formate des Mediums hervorgebracht. Einer der Gründe für die Beliebtheit des Tiers mag in den Affinitäten zwischen ihm und dem Medium liegen. So erklärt André Bazin die besondere Eignung des Tiers für den Film mit dessen Fähigkeit, sich im Unterschied zu Menschen unschuldig und ohne Absichten dem Blick der Kamera darzubieten. Das Seminar wird sich vor allem mit dem Wesen der Repräsentation des Tiers in fiktionalen und dokumentarischen Formaten beschäftigen, dessen Wirkung auf den Menschen aus einer Fremdheit des Tieres rührt. Ebenso wird es auf die Versuche hinweisen, durch Anthropomorphisierung (besonders in Disney-Produktionen) das Tier zum Menschen zu machen und dessen Repräsentation nicht nur in Differenz, sondern auch in Analogie zur menschlichen Ordnung zu denken. Hierbei wird es um die Frage gehen, in wieweit diese Anpassung der Natur des Tiers widerspricht und Auswirkungen auf unser Verhältnis zu ihm hat oder etwas über unser Verständnis von dem Zusammenspiel zwischen Natur und Kultur zum Ausdruck bringt. Neben der Lektüre von Texten, die das Verhältnis von Mensch, Tier und Medien erkunden, sollen im Seminar einige wichtige Film- und Fernsehproduktionen mit Tieren (von Disneys Dumbo, über Grzimeks Ein Platz für Tiere bis zu Pixars Up) gesichtet und diskutiert werden.

Grundlage des Scheinerwerbs sind die Mitarbeit in den Seminaren, die Übernahme eines Referats und das Schreiben einer Hausarbeit.

S

Scarcity ist neben availability
(1980-2000) und plenty (seit 2000) einer von drei Begriffen, mit denen der
Fernsehwissenschaftler John Ellis eine Epocheneinteilung der Fernsehgeschichte
anzubieten versucht. Scarcity bezeichnet das relativ knappe und überschaubare
Angebot des klassischen, vorwiegend national organisierten Fernsehens in Europa
oder des auf wenige Sender konzentrierten kommerziellen Fernsehens der USA in
den ersten drei Jahrzehnten der Fernsehgeschichte. Dieser Blick auf den Beginn
der Institutionalisierung und der künstlerischen Ausdifferenzierung des
Fernsehens bietet die Möglichkeit, der Geburt unterschiedlichster Genres und
Formate des Fernsehens wie der Sitcom, der Fernsehshow, den Nachrichten und
Magazinsendungen, der Live-Übertragung von Sportereignissen oder des
Fernsehkrimis zuzuschauen und mit deren aktuellen Ausformungen in Beziehung zu
setzen. So wird das Seminar beispielsweise versuchen, einen Bogen zu schlagen
von den ersten Soap Operas der 1950er Jahre bis zu den Prime Time Soaps wie Dallas oder Dynasty in den späten 1970er Jahren und so einen Einblick in die
Geschichte der Formatentwicklung zu bieten. Ebenso soll auf vergessene Genres
aufmerksam gemacht werden wie etwa die in den 1950er Jahren äußerst
erfolgreichen und künstlerisch überaus ambitionierten Live-Dramen. Das Seminar
wird sich aber auch damit beschäftigen, wie das Fernsehen eine Rolle für die
Konstitution von Nation und Gemeinschaft übernommen und die Gesellschaft
verändert hat, wie die häusliche Rezeption das Zusammenleben der Familie neu
geordnet und welche anderen Orte und Formen der Rezeption des Fernsehens es
gegeben hat. Ebenso soll thematisiert werden, wie ökonomische Aspekte bereits
in der Frühzeit des Fernsehens der USA eng mit seinen Sendeformen verbunden
waren. Neben der Diskussion von fernsehgeschichtlichen Beiträgen wird auch die
Sichtung von Formaten des frühen Fernsehens Teil des Seminars sein.

Grundlage der erfolgreichen
Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 30.9.2023) und die
regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

Mit Plattenverkäufen im Millionenbereich, den größten Open-Air-Festivals der Gegenwart und einer eigenen Industrie, bestehend aus Plattenfirmen, Zeitschriften, Versandhändlern und Eventagenturen, zählt Heavy Metal zu den wichtigsten populären Musikkulturen der heutigen Zeit. Aus der geographisch und sozial eng umgrenzten Szene der späten 1970er- und frühen 1980er-Jahre ist im 21. Jahrhundert ein transkulturelles globales Phänomen entstanden, das über das Medium Heavy Metal  den Alltag und die Lebensstile breiter Bevölkerungsschichten auf unterschiedlichste Weise prägt.

Das Seminar verfolgt im Wesentlichen drei Ziele: Erstens soll die Entwicklung des Genres Heavy Metal und der darum formierten Szene im jeweiligen gesellschaftlichen Kontext erörtert werden. Dies geschieht über eine kulturhistorische Darstellung der Stil- und Szenegeschichte von ihren Wurzeln im Blues und in der Rockmusik der späten 1960er-Jahre sowie einer abgrenzenden Untersuchung der diversen Subgenres, die Heavy Metal zu einer der vielschichtigsten und anpassungsfähigsten Popkulturen machen. Zweitens soll Heavy Metal auch als kulturelle und soziale Formation untersucht werden: In welchen Materialitäten, kulturellen Werten und kommunikativen wie habituellen Mustern äußert sich die Fankultur des Metal? Wie kann Metal als Indikator für soziokulturelle Prozesse genutzt werden? Wie spiegeln sich Diskurse der breiteren Gesellschaft, Religiosität, Geschlecht oder Politik in der Metal-Kultur wider? Drittens soll die genuine Medialität von Heavy Metal untersucht werden. Wie äußern sich die kulturellen Codes und die dahinter liegenden Wertehaltungen in der medialen Produktion der Szene selbst, mit welchen Medien arbeitet die Fankultur? Wie konstituieren Medientechnologien (Verstärker, Lautstärke, Gitarren, Effektgeräte, Elektrizität, Lichtanlagen etc.) die Identität des Metal? Welchen Einfluss hatte die Videokultur auf ihn, welche Rolle spielen neue Medien und Plattformen wie YouTube oder Soziale Netzwerke wie Facebook für die Entwicklung von Heavy Metal? 

Leistungsnachweise:

Referate

Diese Übung wird eine Übersicht über die Film- und Fernsehgeschichte vom early cinema bis heute auf der Basis einer Auseinandersetzung mit dem Melodramatischen und der Inszenierung von Gefühlen liefern. Sie wird sich mit den unterschiedlichen melodramatischen Formen und Elementen von Filmen beschäftigen und dabei deutlich machen, dass diese einen großen Anteil daran haben, die Ästhetik von Film weiter zu entwickeln und neue Genres zu etablieren: So verbindet sich etwa mit dem italienischen Kino der 1910er Jahren  ein ‚cinematic staging‘ in langen Einstellungen und die Entdeckung des weiblichen Schauspielers als Filmstar. Die Erfindung des Unterhaltungskinos ist untrennbar mit Cecil B. DeMille und seinen frühen Melodramen wie The Cheat (1915)verknüpft. Die Dynamisierung der Kamerabewegung in Filmen Murnaus wie Sunrise (1927) basiert ebenfalls auf dem Versuch, Emotionen zu vermitteln, deren Wiederkehr lässt sich in aktuellen Filmen wie Elephant (2003) feststellen. Ebenso hat der Transfer melodramatischer Darstellungsformen auf Fernsehen mit Soap Operas und Prime Time Soaps wie Dallas wichtige Formate des seriellen Fernsehens hervorgebracht. Diese Übung wird in Analysen einzelner Film- und Fernsehszenen erkunden, auf welche Weise Gefühle inszeniert werden, welchen Einfluss die Inszenierung von Gefühlen auf die Film- und Fernsehgeschichte und -ästhetik hat und wo aktuelle Formen des Melodramatischen (in Film und Fernsehen) zu finden sind.

Grundlage des Scheinerwerbs ist die Präsentation einer Analyse zu einem Film- oder Fernsehbeispiel und deren schriftliche Ausarbeitung (4-6 Seiten).

Mit dem wenig eleganten Begriff einer „thingification of culture“ beschreiben Scott Lash und Celia Lury in dem 2007 erschienenen Band Global Culture Industries eine Entwicklung, die immer mehr kulturelle Güter von der Aufgabe der Repräsentation entkoppelt und deren materiellen Eigenschaften in den Vordergrund rückt. Sie sind nicht mehr Träger und Vermittler von Inhalten, sondern werden als Objekte betrachtet, die durch ihren materiellen Charakter eine neue und intensive Form der Alltagsintegration erzeugen. Mit thingification wird beispielsweise die Bedeutung von global operierenden Brands wie Nike erfasst, aber auch mit Animationsfilmen verbundene Merchandising-Produkte wie Wallace and Gromit. Die Betrachtung von Medien als Dinge soll im Anschluss an dieses Konzept eine Möglichkeit bieten, den Fokus auf die symbolische Bedeutung zu richten, die kleinen Mediengeräten wie dem Smartphone als Objekte unabhängig von ihrer Nutzung zugeschrieben werden, was David Morley als eine neue Form des Animismus beschreibt. Das Seminar will dabei in die sogenannte Gadget-Kultur medienaffiner Menschen einführen, deren Life-Style und Artikulation von Identität sehr stark über (kleine) neue Medientechnologien definiert ist. Das Seminar beschäftigt sich auch damit, warum Figuren wie Hello Kitty, obwohl sie an kein Narrativ gebunden sind und wenig Charakter besitzen, trotzdem eine solche Allgegenwart zu erzeugen vermögen und als Objekte und auf Objekten im Alltag sichtbar werden. Ebenso sollen neue populärkulturelle, transmediale Angebotsformen wie Pokémon und Yu-Gi-Oh! erforscht werden, deren Medieninhalte mit Objekten wie Spielkarten gekoppelt sind. Hierbei wird gleichsam die Fiktion durch Dinge in den Alltag übertragen und damit die Möglichkeit einer ‚hypersocial interaction‘ (Mizuko Ito), einer intensiven, sozialen Interaktion und Kommunikation unter Kindern und Jugendlichen ermöglicht. Die Auseinandersetzung mit neuen Varianten transmedialer Erzählformen, mit globalen Marken und mit der Gadgetkultur soll die Möglichkeit bieten, eine neue kulturelle Logik der Produktion kultureller Güter und Medientechnologien zu konturieren.

Grundlage des Scheinerwerbs sind die Mitarbeit in den Seminaren, die Übernahme eines Referats und das Schreiben einer Hausarbeit.

Das Genre des Dokumentarfilms ist
immer auf der Grundlage seiner Beziehung zur Wirklichkeit im Kontrast zu
fiktionalen Formaten betrachtet worden. Umso erstaunlicher ist es, dass sich
aus ihm ein Genre entwickelt hat, dass diesen Wirklichkeitsbezug imitiert und
in Frage stellt. Mit dem Begriff Mockumentary werden Film- und Fernsehformate
bezeichnet, die mit Techniken und Stilformen des dokumentarischen Kinos spielen
und darauf zielen, meist in Form einer Parodie, eine erfundene Geschichte
möglichst wirklich erscheinen zu lassen. Die Imitation der Wirklichkeit gelingt
der Mockumentary so überzeugend, dass die fiktive Heavy Metal Band Spinal Tap,
deren Tourdesaster in dem Film This is
Spinal Tap von 1984 nachgezeichnet wurde, nach dem Film einige Platten
herausgebracht und mehrere Tourneen absolviert hat. Offensichtlich imitiert die
Mockumentary nicht nur eine Wirklichkeit, sondern produziert sie auch. Die
Mockumentary hat sich mittlerweile im Unterhaltungskino etabliert und großen
Einfluss auf neue Erzählformate des seriellen Fernsehens wie The Office oder Modern Family ausgeübt. Dieses Seminar wird zunächst in die
Geschichte und Theorie des Dokumentarfilms einführen, dessen Wirklichkeitsbezug
und fiktionale, narrative Anteile erkunden und daran eine Auseinandersetzung
mit der Mockumentary anschließen. Es beschäftigt sich mit der Frage, ob die
Mockumentary als Reflexion über den Wirklichkeitsbezug des Dokumentarfilms
verstanden werden kann. Ebenso geht es um eine spezifische Form der
Unterhaltung einer neuen Erzählform, die sich an der Ästhetik und den Anliegen
der Wirklichkeitsdarstellung des Dokumentarfilms orientiert.

Grundlagen des erfolgreichen
Abschlusses des Seminars sind die Übernahme eines Referats/Beitrags und das
Verfassen einer Hausarbeit (Abgabe am 30. September 2022).  

In den letzten Jahren wird immer wieder das Ende des Fernsehens angekündigt oder von einem Post-TV, einem Fernsehen nach dem Fernsehen gesprochen. Tatsächlich haben sich Formen des Fernsehens, seine Technologien und seine Zuschauerschaft immer verändert, aber durch den Aspekt der Digitalisierung und der damit verbundenen Konvergenz intensiviert. Dieses Seminar wird sich mit unterschiedlichen Formen eines ‚Neuen Fernsehens‘ beschäftigen: Fernsehen im Internet, Plattformen wie YouTube, Digitales Fernsehen, Mediatheken von Sendern, Bezahlfernsehen, Video-on-Demand Plattformen wie maxdome, mobiles Fernsehen, Festplattenrecorder, Fernsehapparate mit Internetoptionen etc.. Das Seminar beschäftigt sich mit neuen Programmformen, der Transformation des Publikums, der Umdeutung des Fernsehens von einem den Alltag strukturierenden, der Gesellschaft ein Forum bietenden Leitmedium zu einem flexiblen Anbieter unterschiedlichster Programminhalte, die nicht mehr ein mit den Zeitformen des Fernsehens synchronisiertes Publikum als Gemeinschaft adressieren, sondern sich an eine Vielzahl von Nischen-Publika mit spezifischen Interessen richten. Dies führt zu einem zunehmend individuellen Publikumswünschen angepassten Fernsehen, das mit dem Begriff des „Me-TV“ bezeichnet wird. Das Seminar will die Veränderungen der Medienkultur und der Rezeptionsformen erforschen, die mit einem Wandel des Fernsehens in Zusammenhang stehen, es wird aber auch diskutieren, ob es tatsächlich so massive Veränderung des Fernsehens gibt, dass dessen Ende zu befürchten ist. Lassen sich die Entwicklungen nicht auch als Erweiterungen und Ergänzung weiterhin relativ stabil bleibender Programmformen verstehen? Es wird auch erkunden, ob sich Formate und Erzählformen in Abhängigkeit von digitalen und anderen Technologien und neuen Angebotsformen verändert haben oder wie sie sich verändern müssen, um sich dort ein Publikum zu schaffen: Wie sehen beispielsweise Fernsehserien aus, die im Internet funktionieren, oder welche Unterhaltungsformen entstehen in Kooperation mit Neuen Medien (z.B. mit transmedialen Strategien operierende Serien wie Lost oder Gossip Girl).

„Fernsehen nach dem Fernsehen“ begleitet die Anfang Mai vom Lehrstuhl für Medienwissenschaft und der AG Fernsehgeschichte/Television Studies der GfM veranstaltete Tagung „Das ist Fernsehen“. Die Diskussion der Beiträge der Tagung soll dem Seminar wichtige Impulse geben.

Grundlagen des Scheinerwerbs sind Referat und Hausarbeit.

Neben dem Kino oder dem häuslich rezipierten Fernsehen gibt
und gab es noch eine Vielzahl weiterer Räume, die sich von der ‚Wirklichkeit‘
abgrenzen lassen. Das Seminar wird sich abseits der Leitmedien und der von
ihnen bestimmten Rezeptionssituationen mit ‚anderen’ Medienräumen wie dem Zoo,
dem Zirkus, der Spielhalle, dem Vergnügungspark, dem Jahrmarkt,  der Shopping Mall oder der Diskothek
beschäftigen. Durch eine medienhistorische Einordnung soll die Medialität
dieser Ort und wie sie unterschiedliche alte und neue Medien in eine
spezifische räumliche Struktur integrieren erfasst werden. Dabei bieten sich
bei Räumen wie der Kirche und kulturelle Praktiken wie dem Fest Möglichkeiten
einer Reflexion auf sich später etablierende mediale Anordnungen. Ein weiteres
Ziel des Seminars ist, die Grenzen zwischen innen und außen, Wirklichkeit und
Fiktion, Alltag und Nicht-Alltag und die besondere Erfahrung des Eintritts in
einen ‚anderen‘ Medienraum zu beschreiben und mit Foucault auch die
‚heterotopischen‘ Qualitäten  dieser
Räume zu erfassen: Handelt es sich um mehr als um eine bloße Erweiterung
medialer Anordnungen auf wirkliche Räume, stellen sie einen von der
Wirklichkeit unterschiedenen Raum dar, der sich der herrschenden Raumlogik
unserer Gesellschaft verweigert? Es ist auch geplant, durch den gemeinsamen
Besuch einiger dieser Medienräume Thesen und Theorien des Seminars zu
überprüfen.

Grundlage des erfolgreichen Abschlusses des Seminars sind
Anwesenheit und Beteiligung an der Seminardiskussion, Referat und Hauarbeit.

Der Versuch, Menschen im Kino Angst zu machen, hat die Filmgeschichte von ihren Anfängen mal mehr und mal weniger erfolgreich begleitet. Die Inszenierung von Horror hat dabei auch immer wieder den Einsatz neuer Kameratechnologien und Formen der Lichtsetzung oder innovativer stilistischer Mittel bedeutet, die den Horrorfilm zu einem interessanten Feld der Untersuchung der Evolution der Filmsprache und des Filmstils machen. Im Horror-Genre findet sich eine interessante Verknüpfung der unmittelbaren Wirkung filmischer Mittel mit Erzählinhalten, was unter anderem in der Präferenz des Horrorfilms für die bewegte Kamera oder die Point of View-Einstellung deutlich wird. Diese Übung wird durch die Auseinandersetzung mit klassischen und neueren Filmen des Genres in die Filmanalyse und Filmgeschichte einführen, Möglichkeiten eines theoretischen Zugriffs auf Horrorfilme (Feministische Filmtheorie, Theorien zu Emotionen, kognitionswissenschaftliche Ansätze, Psychoanalyse etc.) aufzeigen und sich auch mit dem Dasein das Genres im Fernsehen beschäftigen.

Grundlage des Scheinerwerbs sind die Analyse eines Horrorfilms oder einer Episode einer Horrorfilm-Serie in der Übung und deren Ausarbeitung zu einer kleinen Arbeit (5-6 Seiten).

Im Unterschied zur Filmkritik scheint das Fernsehen immer noch kein wirkliches Medium der Kritik hervorgebracht zu haben. Es gibt keine Publikationen für das Fernsehen, die mit Filmzeitschriften vergleichbar wären, und was als Fernsehkritik in Programmzeitschriften wie TV Spielfilm angeboten wird, verdient in den seltensten Fällen, als solche bezeichnet zu werden. Diese Übung wird die Probleme diskutieren, die mit der kritischen Interpretation von Fernsehen verbunden sind, beispielsweise die herausfordernde Auseinandersetzung mit einer langlaufenden Serie im Vergleich zu einem einzelnen Film. Sie wird vor allem, durch Diskussion exemplarischer oder eigener Fernsehkritiken, dazu anleiten, Fernsehkritiken zu verfassen.  Die im Seminar verfassten Texte werden in dem Blog TV Kultur und Kritik (http://tvkulturundkritik.blogspot.co.at/)  im Internet erscheinen und so eine Vorstellung darüber geben, wie eine (bessere) Fernsehzeitschrift aussehen könnte.

Grundlage des Scheinerwerbs ist das Verfassen zweier Fernsehkritiken, von denen eine in der Übung selbst besprochen wird.

Mit der Serie haben Medien wie
das Radio oder das Fernsehen faszinierende Varianten des Erzählens etabliert,
die über den Zeitraum von mehreren Jahrzehnten weitergeführt werden und einen
extrem ausgedehnten narrativen Kosmos hervorbringen können. Serialität bezieht
sich aber nicht auf diese Medien allein, sondern findet sich in Literatur,
Musik und Kunst und in der Philosophie als eine Auseinandersetzung mit dem
Motiv der Variation/Differenz und der Wiederholung. Dieses Seminar wird sich
mit der Geschichte und dem Konzept der Serie in unterschiedlichen Medien
beschäftigen und dabei erkunden, welche Formen die Serie hervorbringt und
welche Perspektiven auf Repräsentation und Rezeption dadurch eröffnet werden.
Wichtiger Bezugspunkt wird dabei die Auseinandersetzung mit der Etablierung
seriellen Erzählens im Fernsehen in Formaten wie der Sitcom, der Soap Opera,
dem Krimi und den Serien des sogenannten ‚Quality Television‘ sein. Weitere
Themenfelder sind das frühe Filmserial, der Fortsetzungsroman als Frühform des
seriellen Erzählens, aber auch die Überschneidungen serieller Formen in Kunst
und Musik mit Medien des seriellen Erzählens. Ziel des Seminars soll es sein,
die Ästhetik und Ontologie der Serie und ihrer wesentlichen Bestimmungsmerkmale
zu skizzieren, aber sich auch die Frage zu stellen, was das Serielle im
Internet bedeutet, wie digitale Medien und neue Plattformen der Medienkultur,
die von den zeitlichen Rhythmen des Fernsehens entbunden sind, serielle Formen
wiedergeben.

Grundlage der erfolgreichen
Teilnahme am Seminar sind Referat, Hausarbeit (Abgabe am 30.9.2023) und die
regelmäßige Beteiligung an der Seminardiskussion.

Bewegung war am Ende des 19. Jahrhunderts nicht nur ein wichtiger Bezugspunkt neuer Technologien wie der Eisenbahn und dem Auto, sondern auch des Kinos, dessen erste Bilder die Faszination der Menschen für alle Arten der Mobilität vorführen. Dieses Seminar versuch wird in die Medienkulturgeschichte der Bewegung einführen (u.a. unter Bezug auf Schivelbuschs Studie zur Geschichte der Eisenbahn), die Ästhetisierung der Bewegung mit der Entwicklung des „tourist gaze“ (John Urry) nachzeichnen, sowie die vielfältigen und unterschiedlichen Möglichkeiten und Formen betrachten, Bewegung in Film und Fernsehen darzustellen und dabei auch unseren Blick auf Technologien wie dem Autor und dem Zug zu formen. Zuletzt soll es nicht nur mit der Modifikation dieses Verhältnisses durch neue, mobile Medientechnologien gehen, sondern auch, mit Blick auf das mögliche Ende der unvernünftigen Autokultur, um die Darstellung des Fahrrads in Film und Fernsehen als Alternative. Das Screening und die Diskussion von wichtigen und interessanten Werken der Film- und Fernsehgeschichte sollen das Programm des Seminars begleiten, aber auch die Frage beantworten, ob es ein Genre des Fahrradfilms überhaupt gibt oder wie es aussehen könnte, um eine Gegenposition zu anderen Bewegungskulturen formen zu können. 

Grundlage des Scheinerwerbs sind Referat und Hausarbeit.

Zum Seminar wird es einen Reader geben.